Filme aberto

Um método perigoso

2012-02-11T23:05:00.002-02:00

Assisti, no ano passado, e comentei aqui no blog, o filme “Jornada da Alma”, versão de Roberto Faenza sobre o romance de Carl Gustav Jung, escolhido por Freud para ser seu herdeiro na Sociedade de Psicanálise Internacional, com sua paciente Sabine Spilrein. A mesma história que Cronemberg relata em “Um método perigoso” , agora, com um olhar mais frio e realista. O italiano, deixava, pelo menos nós mulheres, com muita raiva de Jung por ter abandonado sua grande paixão por um casamento morno e de conveniência. Ema, a esposa rica, presenteava o suíço com filhos e iates. Sabine, a russa histérica que ele recebe no Hospital Psiquiátrico de Zurich, lhe entregou o corpo e a alma, cheios de sintomas neuróticos, e de amor para dar. Cobaia na pesquisa do mestre sobre associação induzida, Spielrein se cura de suas neuroses e se torna psicanalista infantil de renome, depois de voltar á Rússia casada e mãe de família. A história de “Um método perigoso” alerta os psicanalistas de hoje sobre os riscos da transferência e da contratransferência. O que provavelmente deve ter sido a gota d’água que selou o afastamento entre Freud e seu mais querido discípulo. Depois de ter feito uma descoberta equiparável ás de Darwin e Copérnico, o mestre de Viena temia que um mau uso da ferramenta psicanalítica pudesse prejudicar seu trabalho de um vida. Zeloso da sua invenção, também não admitia a aproximação que Jung fazia da psicanálise com esoterismo, alquimia, mitos e religiões. Temia que essa visão holística, hoje tão na moda, comprometesse a seriedade da disciplina que inventara. Esse desagrado é muito mais presente no filme do Cronemberg do que no “Jornada“. Assim como o enfoque da relação entre os dois mestres como uma relação entre pai e filho, com toda ambivalência que costuma caracterizá-las. Mas o melhor do filme, e dessa história toda, para quem faz formação em Psicanálise é constatar que é possível uma paciente difícil como Sabine se tornar uma excelente psicanalista.

Precisamos falar sobre Kevin

2012-02-09T00:10:00.002-02:00

A principio, o título do instigante filme de Lynne Ramsay remete às tentativas da mãe do perverso Kevin de discutir as atitudes do garoto com o marido. Mas também poderia se referir à necessidade que a sociedade tem, e aí o papel da Psicanálise é fundamental, de discutir o que leva um garoto daquele a cometer tamanha atrocidade. Baseado no livro homônimo de Lionel Schriver, o roteiro toma um caminho inverso ao que a mídia tupiniquim costuma percorrer em crimes semelhantes, como o massacre do Realengo. Em vez de culpar a internet, o bullying ou o vendedor de armas, o filme vai ao fundo da questão, revelando porque Kevin é um perverso. A pista está na cena do vestiário, onde todas as mamães exibem orgulhosas suas barrigas, enquanto Eva esconde seu deliquentinho debaixo de uma longa túnica. Indesejado antes de nascer, o bebê vem ao mundo agredindo aquela mãe insuficientemente boa, que o rejeita mais a cada dia. Culpada, Eva passa o resto da vida tentando domesticar o pequeno demônio que se dá bem com o pai, revelando a faceta homossexual de todo perverso. Kevin ama o pai mas recusa o corte do Édipo. Tem inveja da irmãzinha e ódio da mãe. Egoísta e narcisista, tem sentimento de culpa zero. Depois de ir parar na cadeia por seu ato monstruoso, continua cínico e insolente. Não se sentir culpado não o exime de sua responsabilidade. E enquanto a lei protege os cidadãos inocentes de sua sanha assassina, a mãe paga pelos crimes dele e pelo dela, de não ter conseguido amar aquele rebento. Se ser mãe é padecer no paraíso, como dizem, no caso da personagem de Tilda Swinton diria que é queimar no inferno mesmo.

A minha versão do amor

2012-01-30T01:13:00.005-02:00

Barney Panofsky, o personagem de Paul Giamatti no filme de Richard Lewis, contraria as estatísticas que há mais mulheres bordeline do que homens. Um dos sintomas desse transtorno é apaixonar-se perdidamente à primeira vista. Na festa de seu casamento com a segunda esposa, judia como ele, união aprovadíssima pelas famílias, Barney cai de amores pela convidada Irene. E como um legítimo bordeline, insiste até levá-la ao altar. Para garantir a posse da presa, a enche de filhos. Como todo bordeline, ele também não consegue ficar sozinho. Mas fica. Porque está sempre melando seus relacionamentos com traições e atitudes politicamente incorretas que envergonham a esposa. Como um bom bordeline, Barney experimenta um Gozo em ser abandonado. Para isso oferece as esposas a amigos e conhecidos. Bordelines têm fixação oral. O alcoolismo de Barney sugere alguma coisa nesse sentido. Bordelines vivenciaram uma abandono pela mãe. Não sabemos que fim levou a Sra. Panofsky. Mas, contrariando as tradições judaicas, a figura forte na vida de Barney é o pai. Bordelines são pré-psicóticos. O fim de Barney no Hospital Psiquiátrico indica que a pré-psicose evoluiu para uma psicose.

A separação

2012-01-28T23:14:00.002-02:00

No filme do iraniano Ashgard Farhadi que ganhou o Globo de Ouro de Melhor filme estrangeiro, a médica Simin se separa do bancário Neder e lhe pede que deixe a filha Termeth mudar-se, com ela, para fora do País, para realizar um projeto que o casal havia idealizado junto. Tendo desistido da viagem para cuidar do pai doente, o marido, aparentemente, aceita a separação, mas impede a menina de viajar. Ao sair de casa, Simin contrata uma empregada para cuidar do sogro doente, enquanto a filha está na escola e o marido trabalha. Da parte dela, fica claro que a separação também não se concretiza. Continua se ocupando dos problemas do ex. Mas essa não é a única separação que não acontece no filme. A exemplo do que ocorre no mundo real, o filme aponta para a falta de separação entre o que é de um personagem e o que é do outro. Eles ficam, o tempo todo, projetando uns nos outros seus conteúdos. Neder acusa a empregada de desonesta quando é ele o desonesto, que finge ignorar a gravidez da moça. Esta acusa o patrão de ter provocado seu aborto quando, sabe muito bem que o bebê indesejado, num momento em que o marido estava desempregado, já estava morto. O filme é um desfile de acusações e projeções, onde ninguém assume seus atos. Nem suas culpas. A repressora religião islâmica só agrava as culpas, alimentando superegos implacáveis. Freud dizia que a culpa transforma em fracassos os maiores sucessos. No filme, um sujeito abre mão de uma carreira no exterior para cuidar do pai doente. Uma mulher recusa uma indenização por medo do castigo de Alá sobre a filha. Não sentiria ele uma culpa inconsciente de ter desejado, em algum momento a morte desse pai? Não teria ela inconscientemente, desejado algum dia se livrar da filha como se livrou do outro bebê? Vai saber! O inconsciente sabe! E enquanto não tomamos contato com ele somos reféns de nossas neuroses e impedidos de realizarmos nossos desejos. Que bom! Porque a neurose é a patologia mais tratável que existe, mais próxima da normalidade. Muito mais complicado é curar uma estrutura psicótica ou perversa.

Viúvas

2012-01-21T23:53:00.002-02:00

Para a crítica e, acredito que também para o público, o último filme de Marcos Carnavale não chega aos pés do seu “Elza e Fred”. Pelo que me lembro, esse sucesso do diretor argentino mostrava, de maneira esperançosa, as possibilidades amorosas na 3a idade. Um filme “pra cima”, que fez o espectador sair do cinema acreditando que há esperanças para o ser humano. E que a felicidade existe, ainda que chegue nos 45 do segundo tempo. É reconfortante acreditar nisso. Mas não é a realidade. Nesse sentido, “Vúvas”, ao apontar a ambivalência total da relação entre as duas mulheres de Augusto, papel de Mario José Paz, o argentino que criou o Festival de Cinema de Buzios, mexe com afetos muito mais verdadeiros. Exatamente aqueles vistos como pouco convincentes pelos críticos. A necessidade da documentarista Elena de acolher a jovem e frágil amante do marido só não convence quem nunca olhou para suas próprias contradições. Passado o primeiro choque, quando recebe do companheiro, no leito de morte, a incumbência de cuidar da garota, a dor de corno de Elena passa a conviver, em seu inconsciente, com o sentimento de culpa característico das traídas: “Onde foi que eu errei para que ele arrumasse outra?” É essa culpa que a leva a “adotar” a menina como filha. O que já responde à pergunta anterior. A culpa é de não ter dado um filho a Augusto, o que deixa escapar quando explica a Adele que “mesmo sem filhos isso é uma família“. Essa justificativa nada mais é que a velha e boa "negação” que Anna Freud elencou entre os mecanismos de defesa. Indica que ela pensava exatamente o contrário. Já a menina, que fala o que vem na cabeça, parece não ter aceitado o corte do Édipo, se é que algum dia teve um pai para exercê-lo. A relação com Augusto é tão edipiana, que ela acaba se colocando também no papel da filha de Elena. Com sua paixão incondicional pelo falecido “pai”, fica difícil para ela aceitar a corte do jovem professor. No caso da viúva traída, a própria ambigüidade dos afetos, aplaina o caminho para o jovem e sedutor cinegrafista. Nada mais real do que ambivalências como essas. Só não as admite num filme, aquele que não as enxerga em si mesmo.

Inquietos

2012-01-15T08:19:00.001-02:00

O mais recente filme de Gus Van Sant traz no papel principal o filho de um ícone do cinema americano, o Easy Rider Denis Hopper. Henry Hopper protagoniza, ao lado de Mia Wasikowska, de “Alice no País das Maravilhas“, um relacionamento amoroso adolescente onde a pulsão de morte é a tônica dominante. O primeiro encontro do casal, para começo de conversa, se dá num velório. A jovem Annabel, que sofre de um câncer terminal no cérebro, pranteia um colega de hospital. Enoch por sua vez, freqüenta funerais por hobby. O que levou o rapaz a esse estranho hábito é o que Gus Van Sant desvenda ao longo do filme. A perda de ambos os pais num acidente de carro, que também o manteve em coma por 3 meses, impede o rapaz de enterrar os genitores, e conseqüentemente elaborar seu luto. A partir do acidente, Enoch desenvolve uma psicose, onde vê e conversa com o fantasma de um soldado kamikase japonês, que lhe dá conselhos, como uma espécie de superego, regulador do seu comportamento e substituto dos pais falecidos. Para Freud, a psicose é o resultado de um conflito entre o ego e o mundo exterior. A morte dos pais, ocorrida enquanto o menino cochilava no carro, pode ter desencadeado nele uma culpa inconsciente pelo incidente. É essa culpa que Enoch projeta primeiro na tia, pessoa a quem a família ia visitar quando ocorreu o desastre, e depois nos próprios pais, por tê-lo abandonado, na cena da destruição das lápides no cemitério. O relacionamento com Annie e a iminência de sua morte faz Enoch reviver sua tragédia familiar. A coragem da jovem e a tranqüilidade com que ela programa, junto com ele, o cardápio do próprio funeral, ajudam o rapaz a elaborar seu luto e a encarar a nova perda sem desespero. Nós espectadores, torcemos até o fim para que o amor entre aquelas crianças opere o milagre tão noticiado da cura improvável daquela patologia tão associada a fatores psíquicos. O que só prova a nossa própria dificuldade em aceitar a morte, principalmente numa pessoa tão jovem.

Bruna Surfistinha

2012-01-08T00:05:00.001-02:00

Diante da premissa lacaniana de que “não há relação sexual”, e para funcionar ela precisa ser filtrada por alguma fantasia, eu diria que todos nós, mulheres e homens, já vivemos, em algum momento, nossa porção Bruna Surfistinha. Baseado no livro “O doce veneno do Escorpião”, o filme, interpretado por Débora Secco, mostra a trajetória de Raquel Pacheco, a jovem que abandona a família adotiva no interior de São Paulo para “fazer a vida” na cidade grande. Diferente daquela condição de vítimas das prostitutas de antigamente, expulsas das casas dos pais por terem dado “maus passos”, as “garotas de programa” de hoje são conscientes de suas escolhas. Ao escovarem seus dentes, enojadas, depois de ter cuspido o esperma dos clientes, estão pensando na cobertura de luxo que as espera lá na frente. O Gozo, como diz Lacan, não é sexual, e sim usufruir carros, celulares, jóias, roupas caras, além da celebridade. Raquel, depois que seu Blog Bruna Surfistinha, onde narra o dia a dia com os clientes, estoura na web, torna-se a prostituta mas famosa do Brasil, num gozo desenfreado que se perde entre a fama, as baladas, a bebida e finalmente as drogas, sinalizando uma pulsão de morte, originada possivelmente no útero da mãe biológica. Há outras maneiras de vender a alma ao diabo, em troca de dinheiro e fama. Trabalhar em publicidade, meter-se em política, se envolver com corrupção, são algumas delas. Profissões, onde se engole sapos enormes e, de quebra, princípios éticos e morais. Pelo menos a Bruna não precisava engolir o esperma dos clientes.

Tudo pelo poder

2012-01-07T14:01:00.003-02:00

Em seu livro “Como ler Lacan”, o filósofo e psicanalista Slavov Zizek ensina o leitor a entender Lacan a partir de análises de filmes, livros, obras de arte e acontecimentos históricos. Uma leitura lacaniana desse material, permite ao esloveno apontar e clarificar conceitos básicos do pensamento do psicanalista francês. Examinando o último filme de George Clooney dentro desta abordagem, lembremos que Freud usa 3 termos para designar a instância que no impele a agir eticamente: o “eu ideal“, o “ideal do eu” e o “supereu“, ou superego para alguns tradutores. Para Lacan, o “eu ideal“, é a auto-imagem idealizada do sujeito, aquilo que ele gostaria de parecer para os outros, também conhecidas como "Pequeno Outro" ou "Imaginário". Mike Morris, o político do filme, candidato a candidato à Presidência dos Estados Unidos pelo Partido Republicano, gostaria de ser o que prega em sua campanha: um homem honesto, que não finge ser religioso para arrecadar votos, para quem o maior “deus” é a Constituição Americana. Já o “ideal do eu“ é aquele a quem eu tento impressionar, o “Grande Outro”, que Lacan também chama de "Simbólico". O ponto do Grande Outro a partir de onde eu observo e julgo a mim mesmo. Dá para adivinhar que o Grande Outro de Mike Morris são os eleitores. Aqueles que o vigiam e o impelem a dar o melhor de si, o ideal que ele tenta seguir e realizar. Quanto ao “Superego“, ele é a mesma instância, no seu sentido trágico e punitivo, também chamado por Lacan de “Real“. Zizek o descreve como a instância cruel e insaciável que me bombardeia com exigências impossíveis e depois zomba de minhas tentativas canhestras de satisfazê-las. Diante desse “Real”, Mike se torna cada vez mais culpado, quanto mais tenta recalcar seus instintos pecaminosos e satisfazer suas exigências. Para impedir que o eleitor descubra a verdade sobre seu affair com a estagiária, de triste desfecho, o político abre mão de seus princípios, se sujeita à chantagem do marqueteiro da campanha, e chega a oferecer um cargo no governo a um senador não confiável. A trama explica, de certa forma, por que nossos governantes, por mais bem intencionados que sejam, são forçados a distribuir cargos entre políticos que não rezam na mesma cartilha que eles. Não por acaso, Lacan chama o superego de instância antiética, ou a estigmatização da nossa traição ética.

Albert Nobles

2012-01-01T13:51:00.001-02:00

Se o filme dirigido pelo competente Rodrigo Garcia, o filho de Garcia Marques que também assina a excelente séria “In Treatment” dará o sonhado Oscar a Glenn Close, não sabemos. Mas que ele dá muito pano pra manga na discussão sobre o lugar da mulher no século XIX, época das histéricas de Freud, ele dá. Baseado em fatos reais, “Albert Nobles” conta a história da menina adotada por uma família irlandesa, que perde a mãe adotiva e se vê só no mundo aos 14 anos. Não temos informações sobre a mãe biológica, mas conhecendo a rigidez da sociedade católica da época, dá para imaginar que fosse uma jovem solteira, de quem a criança tivesse sido arrancada, enquanto a mãe era trancafiada num convento, na melhor das hipóteses. Essa criança, na adolescência, é brutalmente estuprada por 4 rapazes. Essa violência, a faz reviver aquela sofrida ao ser tirada da mãe biológica e causa um trauma profundo que se refletirá ao longo da vida daquela moça. Diante da hipótese de se deitar numa cama ao lado de um homem, surgirão os sintomas de histeria, tão comuns na época. Por outro lado, o amor profundo por aquela mãe, de quem ela carrega uma foto na agenda, que pode até ser a mãe adotiva, coloca a moça numa posição homossexual. Vestindo roupas masculinas para defender-se num mundo onde os homens é que têm poder, Nobles obtém emprego num restaurante e até faz seu pé-de-meia. Só não consegue cair nas graças da jovem mais bonita do restaurante. Esta se entrega a um jovem belo e perverso que a engravida. Aqui o ciclo está prestes a se fechar. Para que este bebê não seja brutalmente arrancado dessa outra mãe, uma nova família está prestes a se formar.

Esses amores

2011-12-27T10:02:00.004-02:00

Claude Lelouch, o setentão cineasta de “Um homem, uma mulher”, sucesso romântico da minha adolescência, define a personagem Ilva, de seu mais recente filme, como uma mulher que se apaixona rápido de mais. O que a Psicanálise tem a dizer sobre isso? Escolhas amorosas, sabemos, são tentativas de preencher aquele buraco deixado pela grande falta, a falta da mãe, primeiro e definitivo objeto de desejo da criança. No caso da personagem, esse buraco deve ter sido imenso, visto que a genitora, depois de perder o marido na Guerra, prostituíra-se para sobreviver. Salva pelo casamento com o dono de um cinema em Paris, introduz uma figura masculina na vida de Ilva. Apaixonada por esse padastro, Ilva se desespera quando ele é preso pelos agentes da ocupação nazista. Consegue impedir sua execução seduzindo um poderoso oficial alemão, por quem imagina ter se apaixonado. Uma escolha que trai seu desejo desesperado de ser o objeto de desejo de alguém. Ainda que para isso tenha que magoar o jovem e apaixonado namoradinho. Esse “não estar nem aí” para a dor do outro, essa ausência de culpa e de respeito ao próximo, esse egoísmo que se exarceba ao longo do filme, mostram que por trás dessa “rapidez” em se apaixonar se esconde uma estrutura perversa. A falta do pai na infância e a rotatividade no leito materno impediram que a menina recebesse o famoso “corte” do Édipo. Por isso, Ilva usa os homens para alimentar seu narcisismo, sem cuidado com os sentimentos deles, a ponto de destruir a amizade entre os dois americanos. Na parte final do filme, depois de ter sido perdoada de um crime, do qual não se arrepende, a moça constrói uma família com direito a um casal de filhos. Se estes repetirão as escolhas atabalhoadas da mãe, não sabemos. O determinismo psíquico existe. Mas nada que um bom tratamento analítico não consiga reverter.

José e Pilar

2011-12-26T01:37:00.001-02:00

Quando um homem se envolve com uma mulher que poderia ser sua filha, o que ele de fato busca é a mãe. Não a mãe atual, óbvio, idosa e judiada. Mas a mãezinha de quando ele era bebê: linda e fresca, que o amamentava, o trocava, o acalentava. E de quem ele teve de se separar para crescer e virar gente. Mas alguns não superam o trauma dessa separação e continuam fixados na primeira infância. Um belo dia, repetem a relação amorosa perdida com outra mulher jovem e bonita como a mamãe. E, como ela, disposta a tomar conta deles, decidir o que irão comer, a que horas darão entrevistas, por que companhia viajarão. Então, caem nos braços dessas jovens fálicas e poderosas como bebês indefesos. Pilar Del Rio era chegada aos holofotes. Inspirada em sua ídola Hilary Clinton, possivelmente acalentasse ambições políticas. A ponto de contratar uma equipe de filmagem para registrar todos os seus passos e os do marido famoso, ao longo de anos. Só um amor narcísico, voltado para si mesma, pode levar uma esposa a arrastar um marido de mais de 80 anos nessa maratona desenfreada de viagens transcontinentais, quando todos sabemos que o desejo do escritor é sossego para escrever. No caso dele, para desassossegar. Saramago se deixou dominar de tal forma pela ambiciosa espanhola que a obedecia cegamente. Era aquele temor de perder o amor materno que leva os “miúdos”, a se subjugarem às “mamás“. Mas como toda relação filho /mãe é ambivalente, José também devia sentir um ódio inconsciente dela. E o projetava nos leitores, recusando-lhes dedicatórias.“Não tenho tempo para isso”, dizia, às vezes com rispidez, da qual até se desculpa. Claro, não era mais dono do seu tempo. Tinha o vendido ao diabo, na pele da poderosa Pilar. Em troca do seu amor eterno. Enfim, foi sua escolha. Falecido em junho do ano passado, foi cremado e suas cinzas divididas entre Azinhaga, sua terra natal, e Lanzarote, nas ilhas Canárias onde vive a viúva. Enquanto isso, seu conterrâneo Manoel de Oliveira, firme e forte aos 104 anos, continua filmando, e casado com a primeira esposa Isabel, que nunca deu pitacos no seu trabalho, rodeado de filhos, netos e bisnetos.

A pele que habito

2011-12-24T02:16:00.003-02:00

No polemico filme de Almodóvar não faltam referências psicanalíticas. A primeira é a presença do livro da escultora Louise Bourgois, cuja mostra “O retorno do desejo reprimido” visitei este ano no Instituto Tomie Otake, com foco na influência da Psicanálise na obra da artista. Voltando ao filme, temos ali a maior questão da teoria freudiana: a castração. De um lado, um protagonista perverso, que rejeita a castração, usando as pessoas para saciar seus impulsos sádicos de vingança. Paradoxalmente, Legrand se permite castrar o estuprador da filha, papel esse que deveria ser, simbolicamente, do pai do rapaz, provavelmente ausente. Vicente vive com a mãe, que tudo lhe permite, como costuma acontecer nesse tipo de família. Alguns viram na tortura a que o Frankstein moderno submete o estuprador, uma analogia à condição do homossexual com desejos femininos, preso ao corpo de um homem. Não diria que homossexuais assumidos aceitem essa condição prisional. Psicanalítica também é relação edipiano entre pai e filha. Num documentário sobre Jung, que passou na sessão do Comodoro do Cinesesc em julho, o criador da Psicologia Analítica dá essa definição para o Édipo nas meninas: “o rapaz, apaixonado pela mãe na infância, casa e se torna o objeto da paixão da filha, formando uma cadeia edipiana de uma geração para outra“. Legrand, que nem sabe que a fiel secretária é sua própria mãe, projeta seu Édipo na filha. E tanto é correspondido que a jovem, na sua fantasia, jura ao médico da clínica que o sedutor é o pai. Quanto ao meio irmão Zeca, com seu sotaque baiano, algo me diz que seja uma afago do diretor aos anfitriões Paula e Caetano que tão regiamente o recebem em Salvador.

A Arvore do amor

2011-12-19T23:44:00.001-02:00

Para o filósofo Slavov Zizek, vivemos numa sociedade onde todos os discursos adquirem a forma de injunção para gozar, para buscar a felicidade. Até o Dalai-Lama entrou nessa! Não que a psicanálise nos impeça de gozar. Mas ela permite não gozar. Você pode gozar, mas não sob a forma de uma regra. Para Zizek, este é um sinal de que o pensamento freudiano, em que pesem as críticas de ultrapassado, continua mais atual do que nunca. Para Freud, a questão jamais esteve na repressão ou no interdito mas sim no paradoxo de uma permissão que bloqueia o gozo. É essa a crítica de Adorno a Reich e à sua idéia de explosão orgástica. Apesar de não conhecer a obra do francês, tendo a concordar com ele. O filme “Arvore do amor”, de Zhang Yimou, mostra que uma relação amorosa pode ser vivida em toda a sua plenitude, sem sexo. Quando Jing decide que só se entregará a Sun aos 25 anos e este se dispõe a esperá-la a vida inteira, alguns argumentarão que para isso é preciso paciência de chinês. Os reichianos, então, atribuirão os problemas de saúde do rapaz à falta de orgasmo. Até pode ser. Mas vejo vejo nessa atitude uma escolha consciente, um adiar o gozo até o momento apropriado. Se esse momento chegará ou não, não interessa muito. O melhor da festa, às vezes é esperar por ela.

Um dia

2011-12-09T01:40:00.001-02:00

Baseado no best-seller homônimo de David Nicholls, o filme que estreou, essa semana, com a adorável Anne Hathaway no papel principal, acompanha a relação dos “amigos” Ema e Dexter, ao longo de 20 anos. Não é a primeira vez que a diretora Lone Scherfig, do Dogma, aborda o tema da não realização de desejos. Em Educação, Jenny abdica de seus sonhos acadêmicos, atraída pela vida fácil de esposa de um homem velho e rico. De quebra, realiza o desejo dos pais, casal classe média dos anos 60, para quem filhas mulheres vêm ao mundo para serem esposas e mães. No caso de Ema e Dexter, o espectador pressente que o desejo dela é ser desejada por ele e vice-versa. Mas o narcisismo exacerbado do filhinho da mamãe, que beira a perversão de tão egoísta, o impede de olhar para seus próprios afetos. Ema, por sua vez, não é daquelas apaixonadas que se tornam cegas, surdas e burras, a ponto de idealizar no amado um ser que não tem nada a ver com ele. Ela sabe que o sujeito pisa na bola, e tem medo de se machucar. No entanto, essa consciência não a protege de se machucar fazendo escolhas erradas como, por exemplo, casar com o comediante sem graça. Que medo é esse que a impede de correr riscos para obter o gozo que anseia? Necessidade de se auto-sabotar? Culpa de infância que a priva de ser feliz para se punir? Ou pulsão de morte tão forte que mina até seu desejo de ser mãe? O final do filme aponta uma pista.

O desaparecimento do gato

2011-12-03T09:43:00.001-02:00

O último filme do argentino Carlos Sorin, que esteve na 35a Mostra, foi recebido pela crítica, deste e daquele país, como uma comédia com pitadas hitchcoquianas. Mas por trás desta aparente “leveza” com que é vista a piscose do personagem Louis, percebo uma crítica à neuropsiquiatria moderna e à tendência de se acreditar que a farmacologia e o consumo, no caso o do turismo em playas brasíleñas, resolvem todas as dores do homem. Depois de uma internação relâmpago, o paciente, um professor universitário que havia agredido seu assistente, a quem acusava de tentar roubar sua pesquisa acadêmica, é devolvido à família como curado. Mas até o gato da casa saca que ele não está bem. O desaparecimento do gato, num filme produzido num país de tradição psicanalítica como a Argentina, me parece simbolizar a ausência do olhar psicanalítico na nossa sociedade globalizada. Num mundo que tem pressa e busca soluções imediatistas, há uma preguiça em relação à Psicanálise. Dá trabalho e leva tempo mergulhar nos meandros do inconsciente. Mas como é que meia dúzia de fármacos poderiam fazer desaparecer em 30 ou 60 dias, por um passe de mágica, uma patologia que provavelmente teria se instalado no aparelho psíquico do paciente ainda no útero materno? Sabemos que psicoses não surgem do nada e merecem uma investigação talvez até mais profunda que as neuroses. No filme de Sorin, não conto o final porque vale à pena assisti-lo, fica claro que aquele pai de família amoroso não resolveu todas as suas questões com a batelada de “pastillas” do Dr. Ayala. Esses médicos deveriam ser responsabilizados, judicialmente, pelos atos dos pacientes que afirmam ter "curado". O grande propósito da terapia freudiana, e por isso ela é a mais ética, é o foco na pulsão de vida do sujeito. Coisa que a turma da neuropsiquiatria talvez nem desconfie o que seja. Haja vista o médico de Michael Jackson que induziu o paciente famoso ao suicídio. Sem falar em exemplos mais antigos com o famoso Dr. Gachet, do Hospício de St Remy, retratado por Van Gogh, que menosprezou a pulsão de morte do artista, levando-o ao suicídio aos 38 anos, um dia depois da última tentativa.

Tomboy

2011-11-27T10:46:00.001-02:00

O filme da francesa Céline Sciamma me lembrou um quadro do programa Viva o Gordo, onde um pai não percebia as inclinações homossexuais do filho e o Jô Soares repetia o bordão: “Tem pai que é cego!”. No filme, Laure, de 10 anos usa, o tempo todo bermudas e camisetas soltas como um menino e tênis, de onde o título Tomboy. Seus cabelos também têm um corte masculino e ela adora dirigir o carro do pai no colo dele. Aparentemente, a mãe só se dá conta da situação quando Michael, o nome que a filha usava socialmente, arruma encrenca com um garoto da vizinhança. Sob um olhar psicanalítico, essa cegueira tem nome: Laure se passava por menino para realizar um desejo inconsciente dos pais. Fora da clínica é arriscado afirmar se esse desejo era da mãe, de ter um filho homem, que segundo Freud representa o falo que a mulher sempre desejou possuir, ou se era uma projeção de tendências homossexuais do pai. A primeira opção me parece bem possível, visto que a partir do nascimento do 3o filho, dessa vez um menino de verdade, a mãe de Laure começa a obrigá-la a usar vestidinhos, depois de humilhá-la diante dos amigos. Poderia até ser um desejo de ambos genitores, o que exigiria um trabalho redobrado do terapeuta que se propusesse a ajudar a menina a descobrir qual o desejo dela Laurie.

Copacabana

2011-11-20T23:10:00.001-02:00

Apesar da trilha repleta de canções brasileiras e da constante menção ao Brasil, o filme de Marc Fitousse, uma comédia sobre temas sérios como a relação mãe e filha e o emprego na maturidade, se passa a léguas da nossa “Princesinha do Mar“. Mais precisamente na praia de Ostende, na Bélgica, onde o sol dura 2 semanas por ano. É para esse balneário que se muda Babou, uma ex-hippie, que depois de passar a vida viajando, precisa juntar uma grana para não fazer feio nas “bodas”, para usar uma linguagem “Caras” da única filha Esmé com um mauricinho de família conservadora. É no novo emprego que Babou vai se defrontar com o que existe de pior no ambiente corporativo: cinismo dos chefes. competição acirrada, inveja, puxadas de tapete, que pegam de surpresa aquela mulher que depois de levar tantas rasteiras da vida ainda acredita no ser humano. A ponto de abrigar num dos apartamentos do condomínio, um jovem casal sem teto e seu cachorro. E como ingenuidade pouca é bobagem, a tonta, segura por ter sido campeã de vendas no empreendimento, ainda confessa seu segredo à ambiciosa chefe que não hesita em entregá-la ao gerente. Decididamente, virar corretora depois dos 50 pode ser a opção para muita gente, mas não é a praia de Babou. A dela í é provavelmente a Copacabana do título. Objeto de desejo dessa mulher livre, alegre, esperta e generosa, como boa parte dos brasileiros. Com uma mãozinha do destino, ela multiplica no Casino as comissões recebidas e depois de causar no casamento da filha, se envolve com uma trupe de dançarinos brasileiros.

A elegancia do ouriço

2011-11-20T10:51:00.001-02:00

Baseado no livro homônimo de Muriel Barbey que foi best-seller na França em 2006, “A elegância do ouriço” conta a história da menina Paloma, 12 anos, filha de um político e de uma dondoca, e do seu relacionamento com Mm Renée, a mal-humorada zeladora do edifício onde a família mora em Paris. Em plena crise da adolescência, Paloma faz do seu quarto um refúgio onde se esconde daquela família onde não há lugar para ela. Ali desenha, escreve seu diário e anota observações. O resto do mundo chega a ela através de sua câmera de filmar, da qual não se separa, e que tanto irrita sua irmã mais velha. A câmera representa o olhar crítico de Paloma face à farsa familiar. Refugio secreto também tem a zeladora Renée. Apesar da aparência bruta e desleixada que a tornam invisível aos moradores do edifício, a senhora tem uma vida interior riquíssima atrás de sua biblioteca secreta: lê Tolstoi, filosofia e ouve os clássicos. A requintada viúva também aprecia o cinema de Ozu. E é justamente um homônimo do cineasta japonês que vem morar no edifício, quem vai desvendar para o espectador a riqueza interior da ranzinza Renée. Gentil e sensível, M. Ozu estabelece uma ponte entre aquelas duas mulheres “esquisitas”, tão excluídas do mundo da superficialidade, do consumismo e do gozo imediato. O olhar calmo do oriental desperta a feminilidade amortecida da velha senhora e legitima a esperança de vida na adolescente problemática. Mais que o olhar, a escuta de M. Ozu ajuda a quebrar a casca daqueles ouriços e os coloca frente a seus proprios desejos. Este é, de certa forma, o papel do analista. Puxando a pulsão de vida de Paloma, Ozu a faz desistir do suicídio. Estimulando o feminino de Renée, ele oferece um sentido à vida daquela mulher, tão frágil e tão breve, como a de todos nós.

O amor não tem fim

2011-11-13T19:35:00.001-02:00

Em seu texto de 1927 sobre o humor, Freud observa que este aparece nas situações em que o ego se recusa a ser afligido pelas provocações da realidade, e deseja provar que não pode ser afetado pelos traumas do mundo externo, sugerindo que esses traumas, para ele, não passam de ocasiões para obter prazer, um elemento inteiramente essencial do humor. O indivíduo se comporta consigo mesmo como um adulto o faz com uma criança, quando identifica e sorri da trivialidade dos interesses e sofrimentos que parecem tão grandes a esta última O ego abriga dentro dele, como seu núcleo, um agente especial: o superego. O superego é o herdeiro do agente paterno. Freqüentemente, mantém o ego em estrita dependência e, ainda, realmente o trata como os genitores, ou o pai, outrora trataram o filho, em seus primeiros anos. Para Freud o humorista retira a ênfase psíquica de seu ego, transpondo-a para o superego. Para o superego, assim inflado, o ego pode parecer minúsculo, e trivial em todos os seus interesses, e, por que não, em suas preocupações. Em “O amor não tem fim”, Julie Costa Gravas, apesar de ser uma diretora jovem, coloca esse humor nas falas e gestos do casal de protagonistas sessentões, principalmente na Mary de Isabella Rosselini. Enquanto o marido Adam, arquiteto especialista em aeroportos, se recusa a mergulhar num projeto de Condomínio para Idosos, para não olhar para si mesmo amanhã, a esposa aceita as limitações da idade e tenta aproveitar os gadgets que a sociedade produz para os que já não enxergam tão bem, não ouvem tão bem, etc. Por atuar numa profissão que exige criatividade, Adam sente mais necessidade de se aproximar da juventude, de sugar um pouco da energia da garotada. Daí, pra cair fora do casamento, é um pulo. Mas com bom-humor e ajuda dos filhos, as coisas acabam se encaixando.

A última noite

2011-11-06T00:12:00.003-02:00

Dirigido pela iraniana radicada nos Estados Unidos Massy Tadjedin, o filme, também exibido na 35a Mostra, foca um tema caro aos casais: “Como administrar o Desejo“. Joana é uma jovem escritora que depois de publicar o primeiro livro, escreve artigos para revistas como freelancer. É casada com o executivo Michael que está sempre viajando a negócios. Numa festa, às vésperas de mais uma dessas viagens, Jo saca que Laura, uma colega do marido, está dando em cima dele. Depois de uma cena de ciúmes, onde ele se confessa atraído por Laura, Jo vai dormir no sofá, onde é surpreendida por uma omelete de madrugada, que aplaca, com uma cajadada só, a fome da moça e a culpa do marido. No dia seguinte, por uma daquelas coincidências que a Psicanalise chama de determinismo psíquico, um ex, que vive em Paris, procura Joana exatamente quando Michael embarca com Laura para uma apresentação na Filadélfia. Aqui Massy aponta, com muita sensibilidade, maneiras diferentes de lidar com o Desejo. Para Lacan, o maior desejo do sujeito é o desejo do Outro. Em outras palavras, todos nós desejamos ser desejados pelo outro. Ao se deparar com seu Desejo, Joana, provavelmente por estar vivendo uma fase mais madura de sua sexualidade, toma consciência do desejo de Alex por ela e do dela por ele, mas escolhe não trair o marido. Michael, mais infantil, não controla sua libido, cede ao assédio de Laura, para depois enfrentar, cabisbaixo, o superego buzinando no seu ouvido interno. Quanto à obsessiva Laura, aparentemente quem tinha menos a perder, é quem mais perde. Depois da satisfação imediata de levado para a cama o indeciso colega, é rejeitada por ele no dia seguinte e sai completamente ferida no seu narcisismo.

O garoto e a Bicicleta

2011-11-05T11:14:00.002-02:00

No filme dos irmãos Dardenne, que recebeu prêmio da crítica, esse ano, em Cannes, o espectador não fica sabendo que fim levou a mãe biológica do menino Cyrill. Mas o abandono que a criança sofre ao ser deixado pelo pai num orfanato, nos remete à teoria da “deprivação” de Winnicott. Segundo o pediatra e psicanalista inglês, a deprivação ocorre quando a criança teve algo e perdeu. A tendência anti-social, através de roubos e agressões, é a maneira que Cyrill encontra para reivindicar o que perdeu. Por outro lado, a proteção oferecida pelo traficante, após o "chega pra lá" do genitor, faz daquele o substituto da figura paterna ausente, e mais grave, permite que Cyrill introjete os valores, ou da falta deles na figura do marginal. O filme me fez compreender porque nossas crianças das comunidades são presas tão fáceis dos “heróis” do tráfico. Imagino a luta das mães, biológicas ou não, como a cabeleireira do filme, para proteger essa molecada das más influências. O filme assinala ainda a frieza daquele pai, sintoma da doença dos tempos modernos de individualismo e desagregação da família, diametralmente oposta ao desvelo do personagem de Rosselini pelo filho, no clássico “Ladrões de Bicicleta” dos anos 60. Mas ainda assim há esperança. E ela é sinalizada no comovente empenho da mãe substituta, que leva o garoto à policia assumindo o encargo paterno de ensinar-lhe a responsabilizar-se por seus atos. Segundo Freud, o único amor incondicional, sem ambivalências, possível, é o da mulher pelo filho homem. Os irmãos belgas confirmam essa tese e vão além: a mãe nem precisa ser biológica.

O dia em que eu não nasci

2011-10-09T19:15:00.003-03:00

A associação livre, praticada pela Psicanálise, não é a única ferramenta capaz de trazer à tona memórias resguardadas no inconsciente. Cheiros e música também têm o poder de penetrar nessa verdadeira caixa-preta que todos nós armazenamos em nosso aparelho psíquico. No filme “O dia em que não nasci”, Maria, jovem nadadora alemã, está na sala de espera de um aeroporto, em Buenos Aires, aguardando sua conexão para o Chile, quando ouve uma mãe ninando seu bebê. A canção lhe soa espantosamente familiar, ela se põe e cantá-la em uníssono com a mãe do bebê e descobre que, sem falar uma palavra de espanhol, sabe a letra inteirinha. Depois de uma crise de choro, da qual leva um tempo para se recuperar, no toalete do aeroporto, ela perde sua conexão. Não por acaso, também perde seu passaporte de alemã. Liga para o pai e conta o episódio. Dois dias depois, o alemão baixa no hotel onde a filha se hospeda, para se explicar. Conta a metade da história. Maria era filha de um funcionário da empresa alemã onde ele trabalhava, em Buenos Aires, na ditadura militar. A empresa mantinha uma creche para os filhos dos empregados, administrada por Liliane, a mãe adotiva de Maria. No dia em que os pais da menina foram levados pelos militares, ninguém teria vindo buscá-la na creche, e o casal, então a teria adotado. Magoada por ter sido enganada tanto tempo pelas pessoas em quem mais confiava, a moça vai atrás da família biológica. Ajudada por um paquera que falava alemão, descobre a verdade sobre sua adoção. E como toda verdade, esta dói. Mexe com sentimentos ambivalentes que filhos, naturalmente, experimentam nas relações com seus genitores. E que se tornam ainda mais ambivalentes diante dos conflitos entre a ideologia paterna e os valores desses filhos.

Confiar

2011-10-01T03:59:00.002-03:00

Dirigido por David Schwimmer, o Ross de Friends, o filme trata de dois assuntos atualíssimos: bulling e relacionamentos pela internet. Dois problemas que podem surgir a qualquer momento num consultório psicanalítico. Se fosse atender a adolescente Annie, que conhece um sujeito pela internet, achando que ele tem a sua idade e mais tarde, tarde demais até, descobre que trata-se de um perverso estuprador de adolescentes, eu começaria investigando a família, aparentemente unida e feliz, bem como a posição da menina no seu círculo social. Descobriria então, que a garota, na sua magreza desajeitada dos 14 anos, se acha feia e pouco sedutora. Quando tenta aceitar a dica da menina sexy da classe e compra um sutiã sensual, é imediatamente reprimida pela mãe que a faz devolver a lingerie na loja. Essa repressão da sexualidade de uma filha que já está na puberdade, com os hormônios à flor da pele, me lembra a repressão da mãe carola da jovem Camiño no filme do post anterior. Só que ali, havia um viés religioso. No caso da mãe de Annie, existe uma inveja/ciúme/competição com a filha que disputa o pai com ela. Já vi casos assim na vida real. Mães que tentam negar a sensualidade das filhas porque ela surge exatamente no momento em que a delas entra na curva descendente. Quanto ao pai, que devia ter desejos incestuosos inconscientes em relação à menina, projeta essa raiva contra si mesmo no desejo de matar o estuprador. Pergunto: o que teria evitado que essa jovem caísse tão ingenuamente na conversa desse lobo mau? Se a mãe tivesse aceitado seu desejo de se tornar mais sexy, para seduzir os garotos da sua idade, e lhe dado permissão para se tornar mulher, quem sabe Annie tivesse conquistado um garoto da sua idade e iniciado uma vida sexual de maneira natural e saudável? Negando o amadurecimento sexual da filha, a mãe de Annie agiu como um avestruz. E evidentemente, com a cabeça enfiada na areia, foi impossível enxergar o sofrimento que o bulling social infligiu à pobre criança.

Caminho de Luz

2011-09-24T22:28:00.001-03:00

Esta tarde, depois da aula sobre o texto freudiano “O Futuro de uma Ilusão”, onde o fundador da Psicanálise fala sobre o significado da religião para a nossa cultura, o professor passou esse filme de Javier Fesser, baseado na história real da adolescente espanhola Alexia Gonzáles-Barros, que foi praticamente “ofertada” a Deus pela mãe carola e fundamentalista da Opus Dei. De tanto essa mãe reprimir os desejos normais da adolescente, de fazer teatro, dançar, namorar, a menina acaba contraindo um raro tipo de câncer, enfrenta uma série cirurgias violentas, e finalmente é depositada nos braços de Jesus, sob os aplausos dos padres, loucos para fabricar uma santinha que os ajude a melhorar o Ibope da Igreja. O filme, que ganhou 7 prêmios Goya, incomodou a família da santinha e evidentemente a cúpula da poderosa organização católica, que aguarda, ansiosamente, a beatificação da garota. Talvez por isso nem tenha chegado às nossas telas. Em 1982, trabalhando no Chile, convivi com membros da Opus Dei. Não existe nada mais reacionário sobre a face da terra. “Caminho de Luz”, que pode ser baixado em alguns sites é uma prova disso.

Seu nome é Sarah

2011-09-19T22:45:00.005-03:00

Baseado no romance “A chave de Sarah”, da escritora Tatiane de Rosnay, best-seller que ainda não estourou no Brasil, o filme do diretor Gilles Paquet-Brenner mergulha num tema que mexe com feridas profundas do povo francês. Esse ano, em Cannes, ao expulsar do Festival de Cinema o dinamarquês Lars Von Triers, por ter declarado que entendia Hitler, os franceses deram uma mostra de como o tema do colaboracionismo ainda cutuca seus sentimentos de culpa. A verdade é que, enquanto uns poucos se rebelavam contra a ocupação alemã, a tão enaltecida Resistência de Charles De Gaulle, o grosso da população aderia ao anti-semitismo, sob Pétain. E a chaga mas profunda dessa adesão foi a prisão de 13.000 judeus franceses no velódromo de Val d’Hiver em 1942. Homens, mulheres e crianças judias foram arrancadas de suas casas, sob o aplauso dos vizinhos não judeus e ali passaram por uma triagem, antes de serem enviadas a Auschwitz. Ao participar de uma reportagem sobre o tema, que só foi admitido pelo governo francês em 1995, a jornalista Julie desconfia que o apartamento dos sogros, para onde está se mudando no Marais, tenha abrigado uma dessas famílias. E se põe a investigar. Vem à tona, então, é a trágica saga dos Starzinsky, presos naquele fatídico 16 de julho, numa repetição da famosa Noite de São Bartolomeu, onde, no século XVI, católicos massacraram protestantes, sob o comando de Catarina de Médici. Voltando à 1942, a pequena Sarah, na onipotência dos seus 6 anos, tenta salvar o irmãozinho de 4, trancando-o o no guarda-roupa e levando consigo a chave, certa de que voltaria em seguida para salvá-lo. Nessa idade, as crianças acham que podem tudo. Afinal se o cabritinho que se escondeu no relógio foi o único que escapou do lobo, porque não aconteceria o mesmo com Michel?.Mal sabia ela o tamanho da culpa que a posse dessa chave, desencadearia pelo resto de sua vida.

O Anticristo

2011-09-10T19:29:00.005-03:00

Finalmente tomei coragem e assisti, ontem, ao bizarro filme de Lars Von Trier. Como comenta Sérgio Telles em seu blog “Psicanálise e Cultura“, “Anticristo” homenageia a Psicanálise na medida em que aponta para as limitações do tratamento que o psicólogo cognitivo tenta aplicar na esposa depois da morte do filho único do casal. Se fosse um analista, como erroneamente indicam as legendas, jamais teria se aventurado a tratar da própria mulher, coisa que só acontecia nos primórdios da Psicanálise, por motivos óbvios. Um analista também teria se preocupado menos com o sintoma Medo e ajudado a mulher a descobrir a origem dele. Apesar de a morte do filho não ter sido conscientemente desejada, há no desleixo daquela mãe, que chega a torturar a criança calçando seus sapatos nos pés errados, um sinal de sadismo. Na temporada na cabana, ela está mais focada na sua tese do que no filho. Por outro lado, desenvolver uma tese sobre as torturas que sofriam as bruxas na Idade Média aponta para uma identificação com essas mulheres sádicas, a mãe má de Melanie Klein. Como a maioria nos sádicos a moça também é masoquista. E projeta no outro o sofrimento que deseja para si, provavelmente para punir-se de suas culpas. Se o sexo ainda é visto como prazer proibido na nossa cultura, imagine uma transa que desencadeia na morte de um filho! É culpa pra várias encarnações! O gesto extremo de mutilar o próprio órgão sexual, que também é o simbolo de poder, é a tentativa suprema de redenção. Mas a viagem terapêutica é tão desastrosa que a paciente, em vez de tomar consciência, sucumbe à sua dor. No lugar de diminuir ao longo do luto, esta aumenta de intensidade, a ponto de provocar uma dissociação psíquica. Daí pra frente é psicose pura.

Berços Vazios

2011-08-27T11:44:00.000-03:00

Filho de diretor Ken Loach, Jim Loach revela que herdou o talento do pai nesse filme denúncia sobre a deportação de crianças inglesas para as colônias nos anos 50. Filhos de mães alcoólicas, prostititutas, ou simplesmente, mulheres solteiras, abandonadas pelos companheiros e renegadas pelas famílias, essas crianças eram entregues aos abrigos estatais. Por medida de economia, o governo britânico as remetia às colônias. Se elas custavam ao governo, na época, 50 libras por mês, nas colônias saiam por 10 shillings. Boa parte dessas crianças foi enviada à Austrália, mais especificamente à cidade de Perth. Dali eram remetidas a uma escola agrícola dirigida por padres católicos em Bindoon, onde eram submetidas a trabalho escravo e muitas vezes abusadas sexualmente. Quem desvenda essa história, no filme, é a personagem de Emily Watson, baseada na história real da assistente social Margaret Humphreys. Por 24 anos essa mulher se dedicou a reunir crianças desgarradas e traumatizadas da Austrália com suas mães inglesas, muitas vezes com sacrifício da sua própria vida familiar. Nesse trabalho, Margaret é obrigada a mergulhar na intimidade dos entrevistados, nas suas lembranças sobre a infância, nos seus traumas de abandono e separação, da mesma maneira que os psicanalistas o fazem nos seus consultórios. Como a moça não tem formação psicanalítica, acaba tomando para si as dores dos homens e mulheres que ajuda, chegando a somatizar esse estresse. Percebemos aqui a a importância de se analisar antes e durante o envolvimento com as dores alheias. Se tivesse sido analisada, Margaret entenderia melhor o que a levou a escolher essa missão. Como assistente social, ela também tirava crianças de mães que o governo achava que não tinham condições de cria-las. Psicanalistas infantis renomados como Françoise Dolto e Donald Winnicott acreditam que, por pior que sejam as genitoras, muitas vezes, para a criança, ainda é melhor ficar com elas do que em mãos desconhecidos. Margaret, que também era mãe, inconscientemente devia saber disso, e possivelmente se sentisse culpada por sua atuação profissional. A dedicação obsessiva às crianças deportadas é uma forma evidente de sublimação dessa culpa. Se fosse consciente, ela não teria deixado de acontecer, mas poderia ter sido menos obsessiva e causado menos dores à própria Margaret e aos seus familiar

Xeque-mate à Rainha.

2011-08-21T18:52:00.002-03:00

O filme da diretora estreante Carole Bottero, que participou da Retrospectiva de Sandrine Bonnaire, em junho passado, guarda certa semelhança, na temática, com o do post anterior. Da mesma forma que o filme espanhol transcorria na turística Toledo este se passa na Córsega, onde a protagonista, casada com um operário e com uma filha de 15 anos, é camareira num hotel de manhã e faxineira à tarde. Assim como Pilar, que ao longo do filme amplia seus horizontes ao se interessar por história da arte e tornar-se guia de museu, Helène acessa o mundo através do jogo de xadrez. Ao entrar no quarto de um casal de hóspedes para limpá-lo, vislumbra os dois jogando xadrez na varanda. O clima que rola entre o casal durante a partida sensibiliza a moça. É como se aquele tabuleiro mágico os aproximasse. Num misto de curiosidade e inveja daquela felicidade explícita, Helène presenteia seu marido com um tabuleiro de xadrez. Mas o operário não se interessa pelo jogo. Isso não impede Heléne de querer aprender a jogar. Ao descobrir um tabuleiro na casa do americano ranzinza para quem trabalhava nas tardes de 3a feira, este concorda em ensiná-la a movimentar as peças. Claro que acaba rolando um clima entre os dois. E evidentemente o marido, percebendo a transformação no humor da esposa fica enciumado e a segue. É aqui que o filme toma um caminho diferente do espanhol. Como não há uma patologia em jogo, o marido controla seus ciúmes sem partir para a agressão. Do seu lado, Helêne sublima através do jogo seu desejo pelo patrão charmoso e inteligente, sem permitir que esse afeto destrua sua família. As coisas correm tão bem que no dia em que ela se torna campeã da cidade, num torneio disputadíssimo, o maridão está lá para aplaudi-la.

Pelos olhos meus

2011-08-20T10:37:00.000-03:00

Dirigido por Iciar Bollan, o filme espanhol de 2003 aborda a questão da violência doméstica. “Pelos olhos meus” começa no momento em que Pilar sai de casa, no meio da noite, com o filho Juan, apavorada diante da agressividade de Antonio e corre, ainda de chinelos, para a casa de Ana, a irmã que está prestes a se casar com um escocês. A partir do momento em que a esposa sai de casa, Antonio se transforma num cordeirinho. Procura-a desesperadamente, deixa flores no seu trabalho, cerca-a de todas as maneiras e pasmem, vai fazer terapia. A princípio num grupo onde outros machos, iguais a ele, justificam suas agressivas atitudes conjugais. Nas sessões individuais, o terapeuta lhe pergunta o que sente na hora em que liga para o celular de Pilar e ela não responde. É quando surge a pista para a cura, que um analista experiente não teria deixado escapar. Antonio tem medo de que, trabalhando, a moça conheça um homem melhor do que ele. Um sinal de que a origem da violência é o seu complexo de inferioridade. Trabalhando com o pai, provavelmente castrador, como vendedor de geladeiras, o rapaz se sente um nada diante de qualquer um que tenha um pouco de cultura e se interesse, por exemplo, por obras de arte em museus. Mas Pilar gosta dele assim mesmo e mais que isso, acredita na família, a ponto de decidir voltar para casa. Numa conversa com a mãe diante do túmulo do pai falecido, fica explícito o determinismo psíquico nessa submissão em nome da família. Mais que isso há uma necessidade de acreditar na força do amor. Mas as coisas não mudam e no final do filme ela sofre uma grande humilhação. Quando está prestes a realizar uma conquista profissional, o parceiro, invejoso do seu sucesso, a humilha diante de todos. É muito difícil para um macho, que não vai atrás do seu desejo e se submete ao do pai, lidar com o sucesso da mulher que ama. De fato, ele amava Pilar com toda a ambivalência que caracteriza esse afeto. Ama e odeia, projetando na esposa o ódio contra si mesmo. Um psicanalista poderia chegar à origem da sua neurose. Detectada a fixação infantil, Antonio poderia se libertar do pai internalizado, descobrir seu desejo e aceitar o sucesso da esposa. Quanto sofrimento poderia seria evitado. Principalmente para o pobre Juan.

Arvore da Vida

2011-08-14T10:38:00.005-03:00

Para alguns, o último filme de Terrence Malick pode parecer religioso, até mesmo espírita. Para os acostumados ao ritmo alucinante dos Tarantinos da vida, um filme longo e arrastado. Mas aposto que o psicanalista do meu filho, que vi na sala de espera, reconheceu na história daquela difícil relação de Jack com seu pai, um dos pilares da teoria freudiana: o Complexo de Édipo. Apaixonado pela mãe doce e compassiva, o filho mais velho daquele autoritário militar dos anos 50, aceita o corte paterno, se submete aos seus princípios rígidos, mas como a maioria dos filhos, tem uma relação ambivalente com o genitor. Ao mesmo tempo que o ama e busca sua aprovação, odeia-o com todas suas forças, desejando muitas vezes matá-lo. A viagem do Jack adulto no elevador futurista sugere uma alegoria da viagem interior que é o processo psicanalítico. Nesse mergulho no passado, vêm á tona desejos de Jack criança, expressos em frases como “Por que Deus não o leva?” ou “É de mim que ela (a mãe) gosta”. Como em toda análise, surgem mecanismos de defesa como a projeção, quando Jack acusa o pai de um afeto que era dele: “Ele me odeia!”. Ao longo da “viagem” emerge a consciência de que certo ou errado, o genitor tencionava ensinar-lhe seus próprios valores. Que, por sinal, nem sempre coincidiam com os da doce mamãe. A morte do segundo irmão na adolescência, que tanto devasta os pais, também afeta o personagem de Sean Penn, evocando culpas decorrentes do ciúme infantil que, em algum momento, fez Jack desejar, ainda que inconscientemente, livrar-se do bebê que lhe usurpara o seio materno. No encontro final entre todos os familiares, que simboliza a cura das neuroses, a mãe tão desejada entrega-o à esposa, sinalizando a resolução do Édipo. Com a sexualidade finalmente madura, Jack cessa a busca da mãe e consegue amar sua mulher, sem esperar dela o papel de genitora,

Melancolia

2011-08-07T00:20:00.000-03:00

Assisti, esta tarde, ao último filme do polêmico Lars Von Trier, crucificado no último Festival de Cannes por ter se declarado simpatizante de Hitler. Para Freud, melancolia era o que hoje chamamos de depressão. Em seu texto “Luto e Melancolia”, ele explica que, enquanto o enlutado sofre com a perda do Outro, o melancólico se desespera diante da perda de uma parte do próprio Eu. É dessa perda que sofre o paciente de depressão da atualidade. Um vazio tão intenso que o psicanalista Sérgio Telles equaciona, em seu artigo no Estadão de hoje, à própria pulsão de morte. Na primeira parte do filme, quem sofre de depressão é Justine, a personagem de Kirsten Dunst. Na noite do seu casamento, promovida no castelo da irmã rica e controladora, percebemos que Justine não está feliz. Na festa, uma verdadeira superprodução cronometrada minuto a minuto por um produtor de casamentos, profissão em alta nos dias de hoje, vêm à tona os conflitos da noiva. Começando por aquele que é o ponto de partida de todas as neuroses: a relação com os pais. Enquanto o pai sabota a cerimônia patrocinada pelo genro prepotente enfiando no bolso todas as colherinhas de prata que vê pela frente, a mãe discursa contra a farsa da cerimônia. O casal, atualmente separado, lembra em sua atitude, pais rebeldes da geração Paz e Amor, em sua perplexidade face à caretice dos filhos. Dizem que os pais do diretor eram nudistas e comunistas. Seria uma homenagem? Mas Justine também não acredita no “evento” que está protagonizando. Outra figura muito real no filme é o patrão de Justine. Uma espécie de Nizan nórdico, o sádico empresário passa a festa inteira cobrando de sua redatora um slogan para determinado produto. Esse excesso de performance face à sociedade, às câmeras e provavelmente ao facebook, em minha opinião, pode estar ajudando a fazer da depressão, a patologia do nosso século. Todos precisam se mostrar felizes, o tempo todo. Um dia, a panela explode e a depressão invade. Tanto que na segunda parte do filme, ela surge metaforizada num planeta invasor que ameaça a vida sobre a terra. E, dessa vez, ataca exatamente a irmã certinha, rica, bem casada, com um filhinho fofo. Ao contrário do que possa parecer, “Melancolia” não é um filme pessimista sobre o fim do mundo. É só um aviso sobre onde pode dar essa sociedade de aparências que construímos. Filmaço!

Meu irmão quer se matar

2011-07-29T00:12:00.001-03:00

Dirigido pela cineasta dinamarquesa Lone Scherfig, do Dogma, o filme, que passou na Mostra de São Paulo e a TV cultura exibiu ontem, trata de um assunto que apavora os psicanalistas: o suicídio. Se a missão do psicanalista é puxar a pulsão de vida do paciente, um paciente que a toda hora ameaça se matar deve tirar o sono da gente. É nesses casos que devemos fazer a maternagem. O Wilbur do filme, com certeza, precisa disso. Que ele tem uma forte pulsão de morte está na cara: tenta vários métodos para por fim à sua vida, do enforcamento no varal ao gás do banheiro. Mais do que morrer, deseja chamar a atenção do irmão. Aprofundando na sua infância fica claro que se culpa da morte da mãe doente por não ter aberto a porta para ela numa determinada noite fria em que ela fugira do hospital para vê-lo. Não o fez por ter ouvido o pai comentar que se ela voltasse pra casa morreria. As tentativas de suicídio são formas de se punir pelo acontecido. Quando o irmão se casa, Wilbur se apaixona pela cunhada, repetindo o triângulo edipiano dos pais. Só que, desta vez, realiza a fantasia infantil e estabelece um ménage à trois com o casal, sem que o irmão se dê conta. Aos poucos, cessam as tentativas de suicídio. Principalmente depois que o irmão adoece e Wilbur percebe que, a “mamãe“ agora será só sua. Não dá para saber o que acontece depois do desenlace. Assumir a mulher do irmão e sua filha adolescente é uma chance para Wilbur deixar de ser filho e crescer. Isso já não é fácil com a ajuda da psicanálise. Sem ela, só por um milagre. Mas o cinema é o lugar onde os milagres acontecem e o filme é otimista.

Questão de imagem

2011-07-10T23:30:00.004-03:00

Dirigido por Agnès Jaoui, “Questão de imagem” esmiúça a relação entre Lolita, uma garota gordinha e super talentosa com seu pai indiferente. O sujeito reúne tudo que se pode esperar de pior num pai. Não olha para a filha, não ouve a fita que ela lhe envia com a música que gravou, duvida do talento musical da menina e ainda tem o desplante de sair no meio da apresentação da coitada para cuidar de seus interesses. Com um narcisista desses como pai, que só enxerga o próprio umbigo, não é de se admirar que a auto-estima de Lolita, esteja rastejando. Não por acaso, se apaixona por um garoto que também a ignora e se aproxima dela para puxar o saco do escritor. O pai narcisista, obviamente, tinha que ter uma mulherzinha jovem e bonita ao seu lado. E ainda pede que a esposa dê uma força para melhorar o visual do seu patinho feio. Mas Karine é uma pessoa bacana e, à certa altura, se enche do coroa egoísta e o manda passear. Acontece que o sujeito também tem uma filha com essa segunda mulher. No dia da visita, na casa dos avós maternos, enquanto a menina tenta atraí-lo para suas fantasias, ele repete com ela sua atitude em relação a Lolita. Sem o menor saco para brincar com a menina, alega cansaço, fecha os olhos e foge para seu universo egoísta e narcísico. Por que cargas d’água uma criatura dessas resolve ter filhos?

Meia noite em Paris

2011-07-02T01:21:00.001-03:00

Como fã de Woody Allen, me acostumei com a presença das teorias freudianas em sua filmografia, muito antes desse assunto virar o foco do meu interesse profissional. Neste seu ultimo filme, entretanto, o papel da Psicanálise é bem simbólico. Gil é um roteirista de cinema em Hollywood que vive para satisfazer o desejo dos outros. No caso, o da noiva Inez, uma patricinha mimada e fútil e o de seus pais consumistas. É aquí que entra a Psicanálise, de maneira onírica, como veículo para a realização do seu desejo de ser escritor. No seu sonho, Gil volta a épocas anteriores da civilização, assim como o paciente retorna a fases anteriores do seu desenvolvimento psíquico. Nessa viagem, busca o reconhecimento do seu talento por parte daqueles ídolos, assim como o paciente procura ser valorizado pelo analista a quem admira, num processo de transferência. Como as sessões de análise, as viagens do protagonista têm hora e lugar para começar. Também à semelhança do processo analítico, pensa estar apaixonado pela musa Adriana. Mas quando, finalmente, resgata o verdadeiro Gil que existia por baixo daquele noivo manipulado e toma as rédeas da sua vida, muda tudo. Conscio dos seus desejos, se liberta da noiva, do seu amante pedante e dos sogros controladores. Nessa hora, ouve seu coração, embalado pelas canções de Cole Porter e enxerga um mundo de possibilidades na encantadora garota do sebo de discos usados.

Inferno

2011-06-25T01:21:00.000-03:00

O diretor polonês Krystof Kieslowski morreu cedo, aos 55 anos, de complicações decorrentes de Aids. Mas sua obra continua viva. Além da inesquecível trilogia “A liberdade é Azul,” “A Igualdade é vermelha” e a “Fraternidade é branca”, ele deixou a sinopse de “Inferno” que seu parceiro Krystof Piesiewicz roteirizou e o bósnio Danis Tanovic dirigiu em 2005. O filme conta a história de 3 irmãs cujas vidas mostram que o determinismo psíquico foi uma das grandes descobertas da Psicanálise. Depois de assistirem ainda bem pequenas o pai ser acusado pela mãe de pedofilia e mandado para a prisão, as três meninas enfrentarão dificuldades semelhantes, em seus relacionamentos amorosos, ao longo da vida. A irmã do meio, Sophie descobre que o marido tem uma amante e o coloca pra fora de casa, repetindo a atitude da mãe ao descobrir a suposta perversão do marido. Anne, a irmã caçula vive um triângulo amoroso, no outro vértice: é amante de um professor mais velho e pai de sua melhor amiga. Depois de terminar com ela, o sujeito morre num acidente. A irmã mais velha, Celine, leva uma vida solitária. Quando finalmente pensa estar sendo paquerada, descobre que o rapaz só queria revelar para ela a verdadeira história da pedofilia. Seu pai era inocente e tudo não passara de um mau entendido com efeitos devastadores sobre as meninas. Brilhante roteiro que mostra que Sartre estava enganado com aquele papo de o inferno são os outros. O inferno somos nós que tanto sofrimento causamos a nós mesmos e aos seres que mais amamos.

Festim Diabólico

2011-06-17T00:09:00.001-03:00

O namoro de Hitchcock com a Psicanálise nunca foi segredo para ninguém. É por isso que, mesmo não sendo um filme essencialmente psicanalítico como “Spellbound”, aqui traduzido como “Quando fala o coração”, “Festim Diabólico” está repleto de conteúdos psicanalíticos, infelizmente muito atuais. Observando as falas dos assassinos, Brandon e Phillip fica muito clara a diferença entre os dois. Phillip não passa de um playboy que se deixa levar pelo amigo e comete um crime do qual imediatamente se arrepende. Seu superego é atuante, e antes mesmo da polícia ou de qualquer membro da sociedade, se põe a acusá-lo impiedosamente por ter se deixado levar por um impulso perigoso do Id. Talvez o ego de Phillip não fosse suficientemente fortalecido, ele estivesse fixado em alguma fase arcaica da sexualidade, o fato é que quando o superego vira as costas, ele vacila. Já seu cúmplice Brandon é um caso típico de perversão, que a Psiquiatria chama de psicopatia. Sua frieza diante do crime, sua megalomania em se achar superior aos outros, sua inveja do falecido por ter dinheiro e uma namorada que já fora sua, são características dos perversos. Por não ter aceito o corte do Édipo, Brandon não aceita as regras sociais. E como bom perverso ainda tenta jogar a culpa no prof. Cadell, outra atitude característica dos portadores dessa patologia: nunca assumem a culpa de nada. O filme é de 1948. Mas, infelizmente, o que era uma ficção na época, baseada numa peça de teatro, nos dias de hoje está cada vez mais comum. Vemos a toda hora, perversos de todas as idades, raças e classes sociais cometendo atrocidades pelo mundo afora.

Santa Paciência

2011-06-12T17:06:00.003-03:00

Se nas mãos de um francês, povo que tem fama de mau-humorado, a interferência da origem árabe / judaica nos relacionamentos familiares já rende boas risadas (vide post anterior sobre “Os nomes do amor”), imagine as gargalhadas que ela pode arrancar nas mãos de um diretor inglês. (Quem conhece os premiados comerciais ingleses sabe do que estou falando). “Santa Paciência”, de Josh Appignanesi conta a história de Mahmud Nasir, um muçulmano lá não muito fanático, que se prepara para conhecer o padrasto de Uzma, a noiva de seu filho Rashid, na Londres de hoje. Nesse interim, Mahmud, que vive às turras com o taxista judeu que mora na frente da sua casa, descobre haver sido adotado e que seus pais biológicos eram judeus. Essa revelação provoca um nó na sua cabeça. Procura daqui, vasculha dali, descobre que o pai biológico encontra-se internado numa clinica de idosos. Ao tentar visitá-lo é impedido pelo rabino, por não ter conhecimentos suficientes do que é ser judeu. É incrível o poder que os judeus concedem aos rabinos sobre suas vidas. Deve ter sido o rabinato que levou Freud a concluir que a religião representa o Pai, conhecedor do certo e errado, na psique dos indivíduos. Voltando a Mahmud, bem que ele tenta tomar aulas de judaísmo com seu vizinho Lenny. Há momentos hilários como a cena em que ele rejeita o kiphá. Parece que estava prevendo a dor de cabeça que este lhe acarretaria. Quando, finalmente, decide usá-lo debaixo do turbante árabe, simbolizando que por baixo daquele árabe havia um coração judeu, acaba se expondo no meio da passeata do padrasto de Uzma. No desespero diante do mico, queima o kiphá para assegurar à família da futura nora, convicções islâmicas que ele, na verdade, não tem. Daí pra frente, tudo vira um imbróglio que é preciso ver para crer, ou para rir. Minha conclusão diante dessas diferenças religiosas afetando relações familiares, é que elas não são mais que um pretexto para justificar rebeldias dos filhos em relação aos pais, originadas pelo velho e bom Complexo de Édipo. Ter vergonha dos pais diante dos sogros e esperar que estes sejam aprovados pela família do cônjuge, revela conflitos não resolvidos da primeira infância e que só a Psicanálise é capaz de trabalhar.

Os nomes do amor

2011-06-12T12:52:00.000-03:00

Michel Leclerc, diretor de “Os nomes do amor” que passou no Festival Varilux do Cinema francês, confessou numa entrevista que se orgulha de ser considerado o Woody Allen francês. De fato, seu cinema utiliza recursos recorrentes na obra do diretor nova-iorquino. Na história do relacionamento amoroso entre Baya e Arthur, os personagens dos protagonistas crianças interagem com suas versões atuais, numa clara homenagem à obra de Allen. Na psicanálise, acontece a mesma coisa. No divã do analista, quantas vezes nos deparamos com a criança que fomos, e muitas vezes ainda somos? A criança de Baya, por exemplo, havia sido molestada por um professor de piano, o que não só bloqueou seu gosto pelo instrumento, como também influenciou seu comportamento sexual na idade adulta. Para o psicanalista Contardo Calligaris, o pedófilo molesta suas vítimas para realizar sua fantasia de poder, não sua fantasia sexual. Por causa do trauma, Baya se torna prostituta e utiliza o sexo para conscientizar os fascistas, como ela diz. Filha de uma mãe hippie e de um pai argelino, Baya vive, nos dias de hoje, a dicotomia maniqueísta dos pais, dividindo o mundo entre fascistas e oprimidos. Se levado a sério, o conceito poderia soar ultrapassado. Mas o humor do diretor e o talento da atriz conquistam a simpatia do espectador. O determinismo psíquico, apontado por Freud ,também está presente no filme desse Woody Allen francês. Assim como seu pai havia se casado com um mulher bem mais jovem, o veterinário Arthur tem a mesma idade do pai de Baya. Especialista em controle de epidemias provocadas por alimentos contaminados, Arthur encarna a neurose obsessiva coletiva de nossos dias, em torno de gripes aviárias, suínas, febre da vaca louca, etc. Motivos para desenvolver neuroses ele tinha de sobra. Ambos os genitores eram obcecados por tecnologia. Viviam comprando gadgets e aparelhos eletrônicos, compulsivamente e só conversavam sobre esse assunto. Não contavam para Arthur, por exemplo, que sua mãe era judia e que seus avós haviam sido assassinados pelos nazistas. Mas as diferenças de origem racial acabam vindo á tona e rendem mais alguns momentos de hilaridade no encontro de Baya com os sogros. Os judeus que se levam a sério como vítimas do Holocausto costumam ser muito chatos. Mas quando o fazem com humor, são imbatíveis.

Estamos lejos de ti, Argentina

2011-06-08T21:22:00.006-03:00

Nestas minhas mais que merecidas férias, tive a oportunidade de conferir, no Reserva Cultural, para mim o sucessor do Belas Artes, a mais um confronto entre o cinema brasileiro e o dos nossos vizinhos do sul. Ao sair da sessão de “Estamos juntos”, precisou baixar em mim o espírito do meu querido Edmar Pereira, para que eu conseguisse enxergar algum ponto positivos no estiloso longa de Tony Ventura. Mas foi só assistir, hoje à tarde, ao “Homem ao Lado”. de Mariano Cohn e Gaston Duprat, para aqueles pontos evaporarem da minha mente. A maior diferença entre nossa cinematografia e a argentina, é que, enquanto despimos os corpos dos atores diante das câmeras, numa descarada apelação de marketing (a bilheteria está ainda mais garantida se o peladão ou peladona forem globais), os argentinos despem a alma dos seus personagens cinematográfico. A relação entre o refinado designer Leonardo, que mora na única casa construída por Le Corbusier na Argentina e seu vizinho brega, que abre uma janela para a casa do artista, é de uma veracidade a toda prova. Os diálogos, em alguns momentos, exploram o jargão psicanalítico como na conversa entre Leonardo e Lola, sua filha adolescente, com uma auto-ironia, que faz jus à fama de Buenos Aires de terra da Psicanálise. Também apontam para a diferença gritante entre a espontaneidade tosca de Viktor, que fala o que pensa e sente e a couraça que cobre seu vizinho chique. Representante porteño daquela elite intelectual e artística que também habita nossa São Paulo, Leonardo mente o tempo todo para fugir de suas responsabilidades profissionais, e também dos seus sentimentos. Tem vergonha de admitir que gosta do vizinho e o ridiculariza diante dos amigos. Entre os dois lados daquele muro, fica evidente um confronto de classes. Mas ele é apontado com muito mais sutileza do que no maniqueísta filme de Ventura com a sua bandeira “só os pobres do MSCT são amigos verdadeiros“. Quanto à desculpa de Leonardo para fugir dos beijinhos da esposa Ana, talvez o telefone fálico, provavelmente um prêmio de design, explique.

Reis e Rainha

2011-06-06T21:08:00.007-03:00

Filme de Arnaud Desplechin, de 2004, “Reis e Rainha” conta a história de Nora, uma marchand que, às vésperas do 3o casamento, enfrenta a doença terminal e depois a morte do primeiro homem da sua vida: o pai. Além de seu pai, o escritor Louis também representa a figura paterna para Elias, o filho de 9 anos de Nora, cujo genitor se matou antes do nascimento do menino. Entre o primeiro marido suicida e o atual noivo almofadinha, Nora teve um relacionamento com Ismael, um músico aparentemente doidão, interpretado por Mathieu Almeric, o melhor ator francês da atualidade. Ismael acaba de ser internado pela irmã, a pedido do seu parceiro de banda, numa daquelas clínicas para dependentes químicos onde adictos e psicóticos são tratados como farinha do mesmo saco. Nessa clínica, a Psiquiatra, a quem Ismael, com toda razão, chama de babaca é vivida por Catherine Deneuve, acentuando o contraponto entre a loura e fria representante da psiquiatria e a psicanalista negra e gorda que continua atendendo Ismael no consultório mesmo durante a permanência do músico na instituição. O resultado do trabalho dessa profissional fica explícito nas atitudes de Ismael, ao longo do filme. Atrás da persona de músico junkie, vislumbramos um sujeito consciente de seus desejos, assim como de suas responsabilidades. Essa consciência possibilita ao interno dizer não às investidas amorosas da sedutora coleguinha de clínica, até ter certeza de que ficar com ele seja uma escolha consciente da garota. Também faz questão de explicar, com clareza e honestidade, ao pequeno Elias, porque não deseja adotá-lo como filho. Tanta sinceridade e lucidez não são coisas para principiantes. lndicam que a Dra Devereaux manda muito bem.

A psicanálise e o cinema mudo

2011-06-02T00:17:00.005-03:00

Em 1926, enquanto Freud ainda reformula seu conceito de angústia, a Psicanálise chega às telas pela primeira vez. Sob a supervisão do próprio Freud, o roteiro é desenvolvido com a participação de Karl Abraham, um dos seus mais próximos colaboradores. A idéia dele e de G. W. Pabst, o diretor, era apresentar um caso de neurose obsessiva tratada pelo método psicanalítico, semelhante ao famoso caso do “homem dos ratos“. No caso, o cientista Martin tem um problema com facas. Cada vez que põe as mãos num objeto cortante, até mesmo na navalha de barbear, tem um desejo terrível de matar sua esposa, por quem é apaixonado. Tamanho é seu medo de que esse desejo se concretize que, às vezes, nem quer voltar para casa para não cair na tentação. Numa dessas voltas para casa contra sua vontade, esquece a chave de casa na mesa de um bar. Na mesa ao lado está o psicanalista, Dr Orth, que percebe o ato falho, entrega a chave a Martin e se oferece para tratá-lo. Durante o tratamento, o paciente conta que morre de ciúmes da esposa com o primo dela que está prestes a voltar de uma viagem. Aos poucos, traz para o analista seus sonhos com o tal primo, num dos quais, a esposa entrega uma boneca ao rapaz. A interpretação do sonho remete o paciente a uma situação da sua infância, quando ele já paquerava a esposa e esta entrega a boneca que era o bebê dos dois para o primo cuidar. Trazendo do inconsciente a lembrança que estava recalcada, o paciente entende a origem do seu ciúme, o que faz o sintoma desaparecer. Tempos depois, o casal, que achava que não podia ter filhos, põe no mundo um lindo bebê.

Não minha filha, você não irá dançar

2011-05-31T22:06:00.000-03:00

O filme de Christophe Honoré, à primeira vista, parece abordar o conflito das mulheres que desejam e, muitas vezes, precisam conciliar maternidade com carreira, sem se sentir culpada, nem se sabotar. Do ponto de vista psicanalítico, no entanto, o filme aponta para um conflito mais profundo. Filha preferida do pai, Lena, na pele de Chiara Mastroianni, come o pão que o diabo amassou nas mãos da mãe controladora, que prefere a segunda filha, Fredérique, loira e prática como ela. Estigmatizada como a louca da família, Lena não consegue impor seus desejos nem aos próprios filhos. Tem sempre alguém mandando nela. Das crianças que a obrigam a levar um passarinho semi-morto pra casa, e ela aceita, à mãe que decide convidar seu ex-marido para o fim-de-semana sem consultá-la, há um complô familiar com o objetivo de provar que a moça não é capaz de cuidar nem dos filhos, nem da casa, nem dela própria. Até o passarinho morre em suas mãos. A família, então, escolhe até onde ela deve trabalhar. Tamanha invasão, disfarçada de “estamos tentando ajudar” pontua o lado sádico desse agrupamento de indivíduos chamado família. Ódio? Inveja? Ciúmes? Que afetos povoam os inconscientes daquelas mulheres que rodeiam Lena? Taì um desafio para um psicanalista: descobrir onde tudo começou. Há uma pista na cena em que a mãe perde as meninas no parque e, ao encontrá-las, horas depois, descobre Lena lendo, tranqüilamente um livro de histórias para a irmã. Seria tranqüilidade mesmo ou um possível isolamento do trauma provocado pelo sumiço da mãe? Também dá para deduzir que, amante dos livros, Lena é uma menina inteligente e sensível. Além de muito bonita. Seriam atributos demais pra um membro de uma família tão cheia invejosos?

Furia da Carne

2011-05-21T18:27:00.007-03:00

Dirigido pelo húngaro, radicado na América, George Cukor, “Wild is the Wind” conta a história do viúvo Gino, criador de ovelhas na América, que traz a cunhada Gióia da Itália para substituir sua falecida Rossana, no leito e no coração. Só que Gióia, em mais uma interpretação memorável de Anna Magnani, não é a ovelha que o personagem de Anthony Quinn esperava. Selvagem como os cavalos que defende dos tiros do esposo, Gióia não aceita o papel que este lhe impõe, de clone da irmã. Começam os problemas. Culpado pela perda da esposa no parto do bebê que ele insistira em ter, contra a orientação médica, Gino projeta na segunda mulher a raiva que sente de si próprio. E vê no ajudante Bene o filho que não teve, esperando que o enlace deste com sua filha, viesse a reproduzir seu próprio casamento, tão bruscamente interrompido. Tudo dá errado quando Gióia e Bene se apaixonam. Mas o jovem não tem culhão para assumir a relação. Repudiada pelo amante, a italiana se prepara para voltar para casa. Felizmente, sua função sentimento é suficientemente diferenciada para perceber que não vale à pena gostar de quem não a ama. Nessa hora, o fazendeiro acaba admitindo que ele sim a ama. Resumo da ópera: as fichas caem a tempo de salvar o casamento. Infelizmente, na vida, ao contrário dos filmes, elas demoram bem mais para cair...

Beutiful

2011-05-18T00:08:00.004-03:00

A exemplo da maioria dos críticos e espectadores, senti um certo desconforto assistindo ao último filme de Alejandro González Iñárritu, o primeiro sem roteiro de Guillermo Arriaga. Tanto que demorei alguns dias para postar esse comentário. Hoje, saindo da análise, percebi o que tinha mexido comigo na história do personagem de Javier Barden. Com toda aquela limitação de recursos, provindos de trabalhos de origem duvidosa como exploração de mão-de-obra imigrante, Uxbal consegue criar seus dois filhos com tanto amor! E ainda por cima sofre de câncer de próstata e sabe que vai morrer! É a história do meu pai, que criou a mim e à minha irmã praticamente sozinho, desde que nascemos. Felizmente, ele contava com a ajuda das nossas tias, que foram segundas e terceiras mães pra nós. Nossa mãe não era bi-polar como a Marambra. Antes fosse.... Assim como Ana e Mateo, nós também amávamos nossa mãe. Mas infelizmente, ela sofria e sofre até hoje de uma patologia só lhe permite amar a si mesma. “Excessiva manifestação de egocentrismo, incapacidade para o amor não narcisico, falta de remorso, vergonha ou culpa, tendência à mentira e à insinceridade, vida sexual impessoal, charme envolvente mas superficial, boa capacidade retórica, inclinação para se fazer de vítima e boa capacidade cognitiva sem comprometimento com a percepção da realidade é” como Hervey Clekley define a psicopatia em “A máscara da sanidade”. Meu pai conseguia enxergar quem era minha mãe por trás da sua máscara. Eu e minha irmã ainda estamos, até hoje, procurando nossa Imago materna. Ao contrário do que afirmam os críticos, Beutiful não é um filme sobre a morte, e sim sobre a vida. A preocupação de Uxbal é com o futuro de filhos depois que ele se for. Observando o carinho com que ele cuida daquelas crianças, dá pra adivinhar que eles sobreviverão. O amor dos genitores, ainda que venha de um lado só, é alimento para a vida. É a preservação da espécie. Um valor presente aqui, no México, no Nepal, na Conchichina. Quem tiver tempo para ouvir os depoimentos dos 6 bilhões de humanos no Masp, está tudo lá.

Jornada da alma

2011-05-16T23:50:00.003-03:00

Dirigido pelo italiano Roberto Faenza, o filme conta a história de Sabina Spielrein, a paciente russa de quem Jung tratou no hospital psiquiátrico de Zurich, utilizando as técnicas de associação de palavras que acabara de descobrir. O tratamento deu super certo. A paciente teve alta, estudou medicina, e em pouco tempo, tornou-se psicanalista. O mesmo não se pode dizer da transferência e da contra-transferência que ocorreram na sua análise. Jung e Sabina tiveram um envolvimento amoroso. Ficaram real e profundamente apaixonados. Quando ela desejou ter um filho dele, o médico a repudiou. Mais tarde, acabaram amigos. Mas, na fase crítica, o relacionamento conturbado envolveu até Freud no papel de mediador. Depois de ter assistido, recentemente, “Vincere”, o filme sobre a amante de Mussolini, é impossível resistir à comparação entre os dois romances. Por mais que o papel do psicólogo suíço tenha sido muito mais dignificante para a Humanidade do que o do ditador italiano, em relação às amantes, a atitude dos dois foi idêntica. A diferença é que, graças à análise, Sabine começou o filme louca e terminou psicanalista renomada. Enquanto que Ida, começou ajudando o parceiro a fundar um jornal, e acabou numa camisa de força. Isso corrobora a minha tese de que homens influentes, em qualquer área, preferem mulheres domésticas, que os esperem todas as noites com o jantar pronto eu uma mesa repleta de filhos. Mulheres como Ida e Sabina, exemplos clássicos do tipo pensamento superior junguiano, por terem a função sentimento inferior, sufocam com seu amor desenfreado, sua fidelidade eterna, sua entrega sem prazo de validade. São mulheres que vão com tanta sede ao pote, que assustam esses homens, fazendo-os voltar rapidinho para os braços mornos de suas esposinhas domésticas, dóceis e invisíveis.

Poesia

2011-05-15T01:47:00.001-03:00

O filme do sul-coreano Lee Chang Dong que concorreu ao prêmio de melhor filme estrangeiro em Cannes, no ano passado, conta a história de uma avó que dá um duro danado para criar um neto adolescente na cidade grande. Não fica claro porque a filha largou o menino com ela. Mas dá pra perceber que o relacionamento com o moleque não é fácil. Enquanto a avó rala pra botar dinheiro pra casa, cuidando de um idoso vítima de AVC, ele se diverte com uma gang de coleguinhas, estuprando uma menina da classe. A garota acaba se suicidando. Os pais dos colegas chamam a avó pra participar de uma vaquinha de indenização à família da menina. Nesse meio tempo, Mija descobre que sofre de Alzheimer e se matricula num curso de poesia. Quando pensamos que o filme vai aprofundar a questão do estupro, da falta de limites dos jovens e da complacência dos pais, ele toma um caminho intimista. Mergulhando no aparelho psíquico da protagonista, o espectador acompanha sua busca de inspiração para fazer versos. E percebe, junto com ela, que poesia não é uma função do pensamento, para ficarmos nos tipos psicológicos de Jung. É função do sentimento. Assim como este, ela reside nas coisas pequenas. Somente quando consegue prestar atenção nas cores da flores e no canto dos pássaros é que a atordoada senhora entra em sintonia com seus sentimentos. E se liga ao sofrimento daquela pobre criança que encontrou na morte a paz que os coleguinhas, entre os quais o neto de Mija, lhe negara

Vincere

2011-05-01T00:36:00.001-03:00

Mais que um filme sobre Mussolini, “Vincere”, de Marco Bellochio é um mergulho na alma de Ida Daisler, amante do Duce e mãe de seu primeiro filho, Benito Jr. Embora a atitude dessa mulher, ao negar o abandono e continuar proclamando aos 4 cantos que era a verdadeira e única esposa do ditador, seja um caso clássico de negação da perda e não elaboração do luto, do ponto de vista freudiano, a riqueza da personagem convida a uma leitura do seu tipo psicológico, segundo Jung. Ida era uma introvertida pensamento. Por isso o sentimento era sua função inferior. O sentimento desse tipo psicológico é tão intenso, que segundo a discípula de Jung, Marie Louise Von Franz, quando eles amam, tornam-se “pegajosos”. Não há limite para o seu amor. Dedicam-se de corpo e alma ao outro. Ida não vendeu tudo o que tinha para ajudar o amado a fundar seu jornal? O sentimento é tão descontrolado que acaba sufocando o companheiro. Talvez, por isso o Duce a tenha trocado pela garçonete Rachele. Segundo Marie Louise, esse tipo psicológico tem uma espécie de lealdade que pode durar até a morte. Exatamente o que aconteceu com Ida. Seu amor e sua lealdade ao Duce eram tão intensos que atrapalhavam sua função principal, o pensamento, impedindo-a de enxergar o canalha em que se transformara o grande amor de sua juventude. Da mesma forma, o pensamento turvado a impediu de perceber a sabedoria que havia nos conselhos do psiquiatra que lhe sugerira criar uma persona cordata e submissa, para aquele momento, até conseguir sair do manicômio. Há outros exemplos, na história e na literatura, de mulheres cuja função sentimento descontrolada danificou seu pensamento, como Adele H, a filha de Vitor Hugo, que correu o mundo atrás de um oficial inglês que não a amava. Felizmente, nem todos os pensamentos introvertidos chegam a esses extremos. Até porque além de existirem graduações nessas características, a Psicanálise está aí para nos ajudar a equilibrarmos nossas funções inferiores com as superiores.

Amador

2011-04-30T11:30:00.001-03:00

O mais recente filme de Fernando León de Aranoa permite várias leituras. Sob o aspecto de crítica social, a atitude da jovem Marcela negando a morte do idoso de quem cuidava para não perder o salário de que muito precisava pode ter uma correspondência com a sobrevida que hospitais particulares oferecem a pacientes que podem pagar, espoliando-os, muitas vezes, até o último centavo. Sob um olhar psicanalítico, trata-se de uma alegoria da negação da morte que acomete os parentes, mantendo entes queridos vivos dentro de si e, às vezes, dentro de casa. Quantos pais que perdem seus filhos não continuam mantendo o lugar deles à mesa, o quarto intocado, enfim, todos os sinais de que não conseguem elaborar o luto? O surpreendente no filme, entretanto, é a atitude da família de Amador. Quando pensamos que a filha chamará a polícia para prender a cuidadora, vemos que ela também deseja prolongar a farsa até que sua casa fique pronta, aceitando de bom grado a ajuda proporcionada pela pensão do pai velhinho. O que, à primeira vista, parece uma atitude interesseira, face à falta de tempo que essa filha tinha para o pai, é mais comum do que pensamos. E vai saber o que tem por trás disso! Quem sabe a ajuda não teria sido um resgate por faltas cometidas pelo pai na infância da moça?

Corações Perdidos

2011-04-22T10:54:00.006-03:00

Filho de Ridley Scott e sobrinho de Tony, Jake Scott prova com seu longa de estréia que o determinismo psíquico também se aplica ao cinema. Em “Corações Perdidos” exerce o ofício da família com grande maestria. Lois e Doug Riley haviam perdido sua única filha num acidente, aos 15 anos. A dificuldade em elaborar o luto afeta o relacionamento do casal. Lois tranca-se em casa, mergulhada numa profunda depressão que, mais tarde, revelará um sentimento de culpa pelo acidente com a menina. Doug tenta se distrair com jogos de cartas e toma como amante uma garçonete negra. Quando esta última também morre, ás vésperas de acompanhá-lo numa viagem de negócios a New Orleans, Doug volta ao cemitério e descobre que a esposa havia inscrito os nomes dele e dela na lápide da filha. Em “ luto e melancolia” Freud afirma que ambos têm sintomas semelhantes. A diferença é que o luto passa com o tempo, e a melancolia, que hoje chamamos de depressão, não. Para o fundador da Psicanálise, pacientes dessa patologia perdem-se a si mesmos no objeto amado. É como se Lois também tivesse morrido com a filha. Isso incomoda o marido que não se sente morto, afastando-o de casa. Em New Orleans, Doug conhece uma jovem prostituta, pouco mais velha que a falecida filha, que trabalha como dançarina numa boate. Depois de se recusar a fazer sexo com ela, passa a cuidar da jovem, exercendo sobre ela o papel de pai colocador de limites. O que há por trás disso? Possível culpa inconsciente por não ter colocado limites suficientes para a filha? Se tivesse sido mais rigoroso com sua educação, ela ainda estaria viva? Ou é apenas um mecanismo de defesa contra a dor que desloca seu afeto para a desprotegida jovem? Com a chegada de Lois a New Orleans, os cuidados se redobram, a ponto de a jovem se sentir sufocada pelo casal. A certa altura ela grita: “Eu não sou a filhinha de ninguém”! Nesse momento, os dois caem em si e “resolvem” seu luto. Voltam para suas vidas e estabelecem uma relação normal com a menina que cai no mundo e liga para eles, de vez em quando.

Incêndios

2011-04-18T17:32:00.004-03:00

O diretor Denis Villeneuve é canadense. Mas seu filme, que concorreu ao Oscar de melhor filme estrangeiro, baseia-se numa peça de Wadji Mouawad, libanês radicado no Canadá e se passa num país hipotético do Oriente Médio. Narwan acaba de morrer e deixa com seu patrão de muitos anos, duas cartas para seus filhos gêmeos. A menina Jeanne deve entregar a sua ao pai, que os filhos consideravam morto. A do jovem Simon deve ir para as mãos de um irmão cuja existência os dois desconhecem. Ambos estão em algum ponto desse país hipotético. Jeanne aceita imediatamente a missão. Simon, que tinha algumas mágoas da mãe, a princípio se recusa, mas acaba seguindo a irmã. O roteiro, considerado por alguns críticos muito fantasioso, mexe com aquele que Freud considera um dos pilares da Psicanálise: O Complexo de Édipo. Assim como na tragédia de Sófocles, em “Incêndios“ o mito do Édipo é levado ás últimas conseqüências. É provável que esta violação do tabu do incesto seja a causa do desconforto dos críticos. Mal sabem eles o quanto esse desejo já povoou o seu inconsciente. Não por acaso, Freud, ao mencionar pela primeira vez para Fliess em 1897, seus estudos sobre o Complexo de Édipo pressentiu estar descobrindo a origem da moralidade.

O Mágico de Oz

2011-04-14T23:58:00.002-03:00

Assisti, ontem, à exibição do clássico de Victor de Fleming, no TCM, como esquentamento para revê-lo com meus netos no próximo domingo. Surpreendeu-me a quantidade de conteúdos psicanalíticos do filme. A estrada de pedras douradas percorrida por Dorothy e seus amigos em direção à cidade de Oz, para mim, é uma representação da própria Psicanálise como caminho para o auto-conhecimento. E quem seria o Mágico de Oz? Para um paciente novo, o próprio psicanalista, de quem esperamos a mágica que vai curar nossas neuroses. No decorrer do tratamento, percebemos o que Dorothy, o Espantalho, o Homem de Lata e o Leão Covarde descobrem no final do filme. Que é dentro de nós mesmos que está a chave para a satisfação dos nossos desejos. Quanto à condição que o mágico impõe aos viajantes para atender seus pedidos, que é obter a vassoura da Bruxa Malvada do Leste, também tem um sentido psicanalítico. Digamos que a bruxa represente os desejos “inconvenientes” do id, enquanto a bruxa boa seria nosso super ego. Tomar a vassoura da bruxa é domínar nossas pulsões para decidir o que fazer com elas. Os prêmios que os amigos de Dorothy recebem, o diploma, a medalha, o coração, nada mais são que os sinais representativos de que fala Jung. Assim como os tipos psicológicos do psicanalista suíço podem ser identificados no espantalho a quem falta cérebro, no homem de lata que pede um coração, e no leão que gostaria de ter coragem. A característica que falta para cada um seria a função inferior do seu tipo psicológico. Quanto a Dorothy, para quem tia Em e o marido são imagos materna e paterna, a volta para casa representa um apaziguamento de angústias relacionadas à origem dos bebês, ou aos seus pais biológicos. Voltando ao lar, Dorothy aceita os tios como sua família, aliviando sua angústia.

A Senhora de Dubuque

2011-04-11T18:53:00.005-03:00

A peça de Edward Albee que encerrou temporada ontem no Tuca, com Karin Rodrigues e Alessandra Negrini nos papéis principais, trata de um tema indigesto para qualquer ser humano, mas do qual ninguém escapará. Jô, a personagem de Alessandra sofre de uma doença terminal e se prepara para morrer. Qual é a doença, a peça não revela, mas pelas referências às dores, aos analgésicos e à iminente prescrição de heroína supõe-se que seja câncer. Se Jô desejou seu câncer, como às vezes acontece com pessoas masoquistas, também não dá pra saber. Mas dá a impressão que a pulsão de morte da personagem é forte. Por outro lado, a proximidade do fim, libera na moça alguns impulsos sádicos que poderiam ter estado reprimidos por muito tempo. Ela passa a cuspir verdades agressivas contra o marido, contra os casais de amigos presentes e contra a mãe ausente. Em relação â última, fica difícil separar a realidade da fantasia. A mãe distante, de cabelos cor-de-rosa, que mora com uma irmã em Nova Jersey poderia ser sua Imago da mãe má. A mãe de verdade é a senhora de Dubuque. A alegria que com que a doente se entrega nos braços da personagem de Karim Rodrigues, me leva a crer que esta fosse mesmo sua genitora. A presença do amigo negro e bem humorado, contradiz, de certa forma, a idéia de que a Sra de Dubuque fosse um símbolo da morte. Dizem que ao morrer as pessoas revêm sua vida de trás para frente, até o nascimento. Como vimos ao mundo por nossa mãe, nada mais acolhedor do que fazer o percurso de volta nos braços dela.

Dorian Gray, um retrato de narcisismo e perversão

2011-04-10T15:01:00.007-03:00

A nova versão de “O retrato de Dorian Gray”, no estilo da saga “O Crepúsculo” é horrível. Mas assisti-la serviu para despertar minha vontade de ver o clássico de 1945, que deve ser ótimo. Pena que
terei que esperar o TCM exibi-la. Não dá mais para alugar filmes antigos. As cópias são muito velhas e travam meu DVD. Mas, o Dorian Gray modernoso também me levou a uma reflexão sobre a patologia do personagem mais famoso de Oscar Wilde. Que coincide, em alguns aspectos, com a do assassino da vez, Wellington Menezes. Em ambos os casos falamos de perversão e não de psicose ou neurose. A característica principal do perverso é a recusa da castração e da lei. Dorian, assim como Wellington, cometeram crimes hediondos, sabiam que estavam errados, mas sacudiram os ombros às regras sociais. Assim como a neurose se caracteriza pelo recalque do desejo durante o Complexo de Édipo e a psicose pela rejeição da realidade e do Complexo de Édipo, na perversão ocorre a recusa da Castração Edipiana. O perverso escolhe se manter excluído do Complexo de Édipo e da alteridade e passa a satisfazer sua libido sexual consigo mesmos (narcisismo). Por isso que todo o perverso tem uma escolha homossexual de objeto, sendo representado por ele mesmo em alguém do mesmo sexo ou do sexo oposto. No caso de Wellington o conteúdo homossexual é percebido no seu ódio às meninas. Recusando submeter-se à lei, Dorian matava as mulheres e homens que surgiam no seu caminho com a mesma frieza com que Wellington exterminou as adolescentes na Escola do Realengo. O que deveria ser investigado nessa tragédia não é quem forneceu as armas, nem que sites mulçumanos o rapaz visitava. Para evitar que a história se repita, seria importante investigar a infância daquela criança. Uma pista para isso é a atitude da família: até agora não foram identificar Wellington no IML. A criança teria sido gerada num manicômio por uma mãe biológica doente mental. Quem seria o pai? Um enfermeiro, outro paciente, um médico? Teria havido estupro? Como a família adotiva recebeu essa missão? O nascimento de Dorian Gray também foi cercado de mistérios. Filha de um nobre inglês, sua mãe teria fugido com um plebeu, que tornou-se seu pai. O avô, indignado, teria pago alguém para desafiar o genro indesejado para um duelo, no qual este teria morrido. Deprimida, a mãe de Dorian morreria um ano depois.Que maternagem tiveram essas crianças? Para Masud Khan, os perversos não sentem ou manifestam seus próprios desejos e necessidades. Uma mãe insuficientemente boa não respeitaria os tempos, vontades e necessidades do filho nos primeiros anos de vida. Ao limitar os gestos essenciais da criança para impor as próprias necessidades de tempo, comida, espaço, valores religiosos e projetos de vida, por exemplo, esta mãe coibe a manifestação dos processos e experiências de subjetividade da criança (seu verdadeiro Self). Não podendo experimentar o mundo por si mesmo a criança passa a criar objetos idealizados para si, como a mãe por exemplo, e submeter seus gestos a vontade de outros (surgindo o falso Self defensivo contra os próprios desejos). Como o perverso não sabe quem ele é, quer ser outra pessoa. Dorian quis ser o que seu mentor desejou que ele fosse. Wellignton queria ser o Bin Laden. Em ambos os casos não existiu a mãe suficientemente boa de que fala Winnicott. Se Wellington tivesse sido verdadeiramente acolhido por essa familia, seus irmãos, até mesmo para satisfazer um possível desejo dos pais providenciariam um enterro digno para ele. Não precisava obedecer às ordens sobre impurezas ou lençóis brancos. Mas deixar um irmão, ainda que adotivo, ser enterrado como indigente não me parece atitude de uma família bem estruturada.

Terra de Sonhos

2011-04-06T22:58:00.010-03:00

O filme me emocionou, antes de mais nada, pela imensa capacidade do casal de protagonistas de se relacionar com aquela vizinhança da qual a maioria de nós fugiria. Conversar com drogados e travestis, olhando no olho ou deixar as filhas visitarem um portador de HIV exigem uma dose razoável de compaixão, generosidade e tolerância. Como futura psicanalista me sinto no dever de aperfeiçoar essas capacidades. Também me sensibilizou a criatividade daquela família que, com pouquíssimo dinheiro e imaginação de sobra transforma aquele “muquifo” num lar charmoso e agradável. Das fantasias home-made das crianças, aos móveis recolhidos nas calçadas de NY, o filme é uma aula de anti-consumismo que vem a calhar na sociedade cada vez mais descartável em que vivemos. Mas fazendo a lição de casa, vamos às fixações do casal. A perda do único filho homem, depois de uma queda na escada que pode, ou não, ter gerado um tumor na cabecinha dele, abalou profundamente Sarah e Johnny. Nem a mudança de país, nem as dificuldades do dia a dia lograram desviá-los de sua dor. A certa altura, surgem sintomas psicóticos indicando uma regressão a pontos primitivos do seu desenvolvimento. Fixados no que, me parece ser, o início da posição depressiva, alternadamente, ambos saem da realidade. Primeiro Johnny surta enquanto brinca com as meninas e Sarah o traz à realidade. Mais tardo, na depressão pós-parto, após ter corrido risco de morrer e de perder mais um filho, é ela quem começa a confundir o novo bebê com o filho perdido. Nessas regressões à posição depressiva, ambos revivenciam suas onipotências de bebês face à destruição do objeto amado. Culpados pela morte de Frankie, acusam-se mutuamente, num mecanismo de defesa projetivo. Ao mesmo tempo, alimentam uma fantasia de reparação pela gestação de outro bebê. Este, por sua vez, demora um pouco para projetar para fora sua forte pulsão de morte. A bebê, é uma menina, só consegue fazê-lo depois que sente o olhar dos pais sobre ela. Quando percebe que estes a olham como objeto em si e não mais como substituta do irmão falecido, sua pulsão de vida sobrepõe a de morte. No final do filme, Johnny aponta para a lua explicando à pequena Ariel que é ali que estão seu irmão Frankie e Matheo, o vizinho recém-falecido. Nessa hora, ele elege um símbolo para os entes queridos que se foram e, dessa forma, elabora seu luto. Quanto a Christie, observei nela um mecanismo de negação da morte do irmão. A dor deve ter sido intensa demais para ser suportada. Além da ausência de Frankie, ela ainda segurou a barra do sofrimento dos pais. Precisou, então, negar a morte do irmão e de maneira mágica, transforma-o numa espécie de “gênio da lâmpada” a quem faz três pedidos. A negação mágica lhe dá forças para enfrentar seus perseguidores, no caso, o novo país, os vizinhos estranhos e a escola religiosa.

Feliz que minha mãe está viva

2011-04-04T00:38:00.004-03:00

Claude e Nathan Miller, pai e filho na vida real,desenvolveram o projeto deste filme a partir de um artigo de Emmanuel Carrere sobre a história verídica de um filho adotivo em busca da mãe biológica. Tommy e Patrick são filhos de uma mãe que, segundo os critérios de Winnicott e das autoridades francesas, não era suficientemente boa. Depois de abandonar as duas crianças por 4 dias, achando que o garoto de 5 anos daria conta de cuidar do bebê, Julie é denunciada pelos vizinhos e as crianças são recolhidas a um abrigo até que uma nova família os adota. O pequeno Patrick, aparentemente, se integra com facilidade à nova família que até o rebatiza com o nome de François. Tommy, no entanto, tem muitas lembranças da mãe biológica e uma imago positiva dela. Na adolescência, as lembranças recrudescem e ele passa a rejeitar os pais adotivos, principalmente o pai. Depois de discutir feio com o genitor, decide procurar a mãe biológica, que havia casado de novo e estava grávida. A iminência de um novo irmão reacende a dor do abandono, aumentando o angústia de Tommy. Anos depois, ele toma coragem para ir atrás de Julie, novamente. Nessa altura o lar adotivo já havia se esfacelado devido à doença degenerativa do pai, internado num sanatório. Ao reencontrar a mãe biológica, esta estava separada do marido, criando sozinha o terceiro filho. O Édipo de Tommy que, por falta do corte paterno nunca havia se resolvido, reacende e ele começa a fantasiar uma relação amorosa com Julie. Por outro lado, o ódio e a inveja do 3o irmão, o único não rejeitado por ela, sofre uma inversão e ele passa a ajudá-la na criação do menino, mimando-o com presentes e atenções. Não sei se podemos chamar essa inversão de formação reativa por que esta seria um mecanismo de defesa, muito comum nas neuroses. Tommy me parece mais um perverso do que de uma neurótico. Seu gesto extremo de esfaquear a mãe indica uma recusa do corte paterno, do sentido do certo e errado que se reflete na sua falta de culpa diante do ato. Ao descobrir que a mãe sobreviveu ao seu ataque, ele fica feliz. Incoerência? Não, se levarmos em conta a ambivalência dos sentimentos de amor e ódio nas crianças pequenas. E Tommy, abandonado pela mãe que amava aos 5 anos, nunca cresceu.

Um ano a mais

2011-04-03T12:40:00.003-03:00

Uma das coisas que mais gosto nos filmes de Mike Leigh e no cinema inglês em geral é como os atores são gente como a gente. O casal principal de “Um ano a mais” é interpretado por Jim Broadbent e Ruth Sheen, excelentes atores, sem nem um pingo daquele glamour hollywoodiano que nos lembra, o tempo todo, que estamos assistindo a um filme e que nada daquilo é real. A psicóloga Gerri de Ruth Sheen é tão parecida com uma amiga minha que tive dificuldade para entender como ela pode ser tão feliz em sua vida conjugal enquanto minha amiga, até hoje, ainda não encontrou um companheiro. O fato de ser psicóloga, pode ter ajudado. No começo do filme, ela explica a uma paciente que devemos assumir a responsabilidade por nossas escolhas. Este é o grande sentido de se fazer análise. Entender isso e parar de culpar os outros por nossas frustrações, é o primeiro passo para a sanidade. Conseguir impor limites aos “invasores“, sem magoá-los, como Gerri faz com a “sem noção” Mary, então é sinal de que alcançamos a normalidade. O mais fascinante no casal central do filme é sua capacidade de olhar para o outro com compaixão. No caso de Gerri, o próprio exercício da profissão pode ter aperfeiçoado esse dom. Mas o geólogo Tom também partilha dessa generosidade tão bonita e tão rara. Ao acolher na sua casa o irmão recém viúvo, sem questionar, nem julgar, a difícil relação deste com o filho, ele nos mostra como aceitar as pessoas como elas são é conseqüência de nos aceitarmos como somos. Do mesmo jeito que ele aceita os quilinhos extra da esposa sem correr atrás do primeiro rabo de saia, esta também compartilha com ele a paciência com o amigo carente, fumante e inconveniente. O casal tem tanta pulsão de vida, que até seus momentos de lazer são voltados para a produção de tomates na horta. Talvez esta pulsão de vida os capacite a acolher amigos com fortes pulsões de morte como a alcoólatra Mary, o deprimido Ken, e o irmão Rony em seu luto. Produto dessa relação saudável, o filho do casal, o jovem advogado Joe, também defende os menos favorecidos e se apaixona por uma garota que se dedica a ajudar pessoas. O último filme de Mike Leigh é uma verdadeira aula de solidariedade, tolerância e compaixão.

Um lugar ao sol

2011-03-28T22:35:00.002-03:00

Esta seqüência de filmes com a Elizabeth Taylor exibida pelos canais da Net, está me saindo melhor do que a encomenda. Ontem foi dia do Telecine Cult programar o clássico “Um lugar ao Sol” de George Stevens. No filme, baseado no livro “Uma tragédia americana” de Theodore Dreiser, a diva contracena com Montgomery Clift, seu grande amigo na vida real. Monty é George Eastman, sobrinho pobre de um magnata americano, que abandona a mãe religiosa na cidade natal, onde crescera cantando músicas religiosas, para empregar-se na fábrica de maiôs do tio. Como quem não quer nada, aos poucos o rapaz conquista uma colega da fábrica, ao mesmo tempo em que trata de se insinuar nas festas badaladas da família rica. Bonitão e charmoso, logo conquista o coração da socialite Angela, a personagem de Liz. Daí pra pretender a mão da moça é um pulo. Mas no seu caminho havia uma pedra. Uma pedra chamada Alice Tripp, a noiva grávida e determinada a levá-lo ao altar. Aqui se revela a patologia de George. Obcecado pelo sonhado “lugar ao sol”, o rapaz não hesita em assassinar a noiva chata e pobre, que embaçava seu namoro com a ricaça. Para a Psicanálise, George não é nem neurótico, nem psicótico. É um perverso. Como todo portador dessa patologia, é extremamente egoísta, ambicioso e não está nem aí se prejudicará alguém para atingir seus objetivos. E os objetivos dos perversos são, invariavelmente, poder e status. Frios e calculistas, os perversos foram crianças que não aceitaram o corte do Complexo de Édipo. Esse corte é feito, geralmente, pelo pai quando proíbe o menino de transar com a mãe, impulsionando-o a procurar uma mulher para si. É o primeiro contato da criança com a lei, com o conceito de certo e errado. Daí pra frente o Pai estará representado em todas as instâncias que regem a vida social: o professor, o policial, o juiz, o governo, até Deus são representação da figura paterna. Quem não aceita o corte paterno, como parece ser o caso de George, torna-se um perverso e passa a agir de acordo com seus próprios desejos, sem respeitar ninguém. Alguns perversos também não sabem quem são e sentem inveja de quem sabe. Georges invejava o primo rico e queria conquistar suas as amigas, tomar o seu lugar. Para isso não hesita em afogar a mulher que carrega seu próprio filho na barriga. E não sente um pingo de culpa por isso. Outra característica da perversão. Uma patologia, infelizmente, muito mais comum do que imaginamos.

Gata em teto de zinco quente

2011-03-27T20:26:00.010-03:00

Escrita logo depois que Tenessee Williams começou a fazer análise, "Gata em teto de zinco quente" virou filme em 1958, pelas mãos de Richard Brooks. Temos uma família disfuncional, como a maioria delas, onde todos mentem para todos. A começar pelo médico que mente para o patriarca que sofre de câncer terminal e o despacha para casa como se estivesse curado. A esposa finge acreditar na mentira e organiza uma festa para comemorar a recuperação de Big Dady, às vésperas de seu aniversário. O filho mais velho, casado e certinho, sua esposa parideira e seus filhos barulhentos estão de olho na grana do velho. Quem já não viu esse filme na vida real? O filho caçula, jogador de futebol em fase de declínio, está mergulhado no alcoolismo. Sua esposa, carente de atenção e de sexo, numa atuação magistral de Elizabeth Taylor, tenta aproximá-lo do pai doente, o único membro da família que gosta dela. A sogra lhe cobra netos e a acusa de ser responsável pelo alcoolismo do filho. Mal sabe ela que o alcoolismo é sintoma de uma fixação na fase oral, muito provavelmente ligada ao desmame. Mas, como a maioria dos neuróticos, ela prefere culpar a nora pelo vício do filho. E nenhuma das duas quer enxergar os conteúdos homossexuais do rapaz, que não perdoa a esposa por ter tido um caso com seu "melhor amigo". Exemplo clássico de negação. Quanto à resolução do Édipo dos rapazes, a inversão no caso do caçula, fica explícita no diálogo em que o pai confessa ter ciúmes do “melhor amigo”, possível eufemismo para namorado. Temos ainda a pulsão de morte do filho x a pulsão de vida do pai. Enquanto o primeiro se destrói pela bebida e ainda rejeita a mulher que deseja lhe dar um filho, o pai prefere sentir dores violentos a tomar a morfina porque a dor o faz se sentir vivo.

Assim caminha a humanidade

2011-03-24T00:40:00.006-03:00

Hoje minha mãe me ligou pra repassar a notícia do falecimento do genro de um amigo do meu pai, a quem eu mal conhecia. É incrível o frisson que se apossa dela e da minha irmã quando morre algum membro do seu clube do coração. Como detesto aquela gente, fiquei muito mais comovida com a morte da Elizabeth Taylor. Com ela se vai um pedaço da minha adolescência vivido no escurinho dos cinemas em companhia dos astros e estrelas de Hollywood, enquanto meus pais perdiam tempo e dinheiro nas mesas de jogo daquele clube ridículo, ao lado daquelas pessoas ridículas. Por mim podem morrer todas numa única explosão que não farão nenhuma falta. Dos filmes que assistii com Liz Taylor, uns mais cabeça, outros mais comerciais, dois mexeram demais comigo: Assim caminha a Humanidade, de cujo roteiro só lembro tratar-se da saga de uma família da aristocracia rural sulista dos Estados Unidos. Elizabeth contracenava com dois ídolos da minha juventude: Rock Hudson e James Dean. Cada um mais lindo que o outro! Também me emocionei muito com “Quatro Garotas, quatro destinos”, baseado no romance ar “Mulherzinhas” que li umas 20 vezes entre 11 e 14 anos. Liz fazia a Beth, a irmã que morria de escarlatina na história e que tantas lágrimas arrancava das leitoras e espectadoras. Obrigada, Liz, por tantas emoções. Você vai mas continua viva nas minhas lembranças. E nos filmes que um dia meus neto vão assistir. É assim que a humanidade caminha.

Em um mundo melhor

2011-03-19T19:56:00.012-03:00

Oscar de filme estrangeiro deste ano, o último filme de Susan Bier é, sem dúvida, o melhor da premiação de 2011. Da diretora de “Coisas que perdemos pelo caminho” era natural esperarmos um roteiro sensível e humanista. Como todo filme que mergulha na alma humana, “Em um mundo melhor” também é carregado de conteúdos psicanalíticos. Comecemos pela elaboração do luto do pequeno Christian. Quando sua mãe morre de câncer, depois longo e intenso sofrimento, o adolescente percebe o alívio do pai. Ao ser consolado por ele com as palavras “foi melhor para ela”, passa a odiar o genitor, culpando-o pela perda. Não dá pra afirmar que aí tenha começado o trauma. O menino pode ter revivido alguma fantasia infantil, na qual teria odiado a mãe poor alguma frustração de desejo. A morte prematura da genitora teria atualizado sua culpa, e uma defesa do ego a projetou no pai. Isso explica o comportamento anti-social de Cristian. Elias, por sua vez, vive dramas paralelos. O bullying na escola, onde não é aceito pelos colegas, simultâneo à separação dos pais, com provável interconexão entre eles. O novo aluno, Christian, toma suas dores e se põe a defendê-lo dos agressores. Ao mesmo tempo, desloca para o pai de Elias seu desconforto face á covardia do próprio pai diante da morte da mãe. Assim como seu pai não foi capaz de vencer a doença da esposa, o pai de Elias se submete, “fraqueja”, diante de um idiota que o agride no parque. As explicações pacifistas de Anton não convencem o garoto. Ele precisava descarregar em alguém o ódio armazenado desde a morte da mãe. E o idiota do parque é um alvo pefeito. É assim que crianças normais se tornam capazes de atitudes anti-sociais, sejam elas provenientes de lares humildes ou não. Winnicott chama isso de deprivação. Privado do amor da mãe e odiando o pai, Christian chega à beira do suicídio na esperança de obter de volta o ambiente familiar acolhedor que perdera.

Toy Story 3

2011-03-15T00:26:00.002-03:00

Quem diria que uma animação da Pixar, voltada para crianças, pudesse conter referências psicanalíticas? Pois talvez seja isso que faça do terceiro filme, o melhor da série Toy Story, apontado pelos críticos como um dos melhores filmes de 2010. Só que dessa vez as referências nada tem a ver com as teorias freudianas, e sim com um conceito de D. W. Winnicott, pediatra e uma das maiores autoridades em psicanálise infantil. Para Winnicott, o comportamento anti-social da criança está intimamente relacionado com a idéia de deprivação. Deprivação é mais do que uma carência. É uma perda de algo bom que foi positivo na experiência da criança até uma certa data e foi retirado. No filme, quem sofre essa deprivação é o ursinho cor-de-rosa Lotso. Depois que sua dona o esquece no parque, ele, o Big Baby e o boneco Mr. Priklepants andam quilômetros para chegar à casa da menina. Qual não é a sua decepção ao constatar que a garota abraçava outro urso, igualzinho a ele, só que novo em folha! Para consolar a menina, os pais haviam substituido o brinquedo. Esse episódio causa um trauma tão violento, que Lotso e seus companheiros de abandono se transformarem nos grandes vilões do filme.

127 horas

2011-03-07T17:06:00.005-03:00

Se tem algum aspecto da teoria psicanalítica que salta aos olhos neste filme de Danny Boyle, é a famosa “Pulsão de Morte”. Em seu texto “Além do princípio do prazer”, Freud confirma a teoria de que, desde que nasce, o homem está fadado a morrer. Mais cedo ou mais tarde, a morte chegará. Cabe a esse instinto, ou pulsão como preferem alguns tradutores, “empurrar“, digamos assim, o sujeito para a morte. Para atrapalhar seu serviço, surge a chamada “Pulsão de vida“, ou instinto sexual, que nos leva a adiar ao máximo esse momento, prorrogando a vida. A reprodução das espécies, nada mais é que uma tentativa de negar a morte, garantindo nossa “continuidade” nos descendentes. Aron Restom, o personagem de “127 horas” tinha uma pulsão de morte fortíssima. Gostava de viver perigosamente. Essa atitude que, aparentemente, sugere que a pessoa aproveita a vida ao máximo, expondo-se a perigos excitantes, na verdade, aumenta muito a probabilidade de encurtá-la. O sujeito que aprecia a adrenalina dos esportes radicais não difere muito do que se arrisca com sexo inseguro, ou abusando de fumo, álcool e drogas. O primeiro filme do diretor, inclusive, “Transpotting” descrevia a saga de um usuário de heroína. Aron, o protagonista de 127 horas, vai com tanta sede ao pote de viver (ou de morrer), que nem tem tempo para retornar as ligações da mãe. Quando se vê com o braço esmagado por uma pedra, em meio ao Grand Canyon, pela primeira vez, é obrigado a refletir sobre suas atitudes. O medo e a proximidade da morte levam-no a questionar suas escolhas, criando uma enorme angústia. Não é um filme fácil de assistir. De um lado, nos leva a questionar nossa própria pressa em viver intensamente. De outro, quando Aron finalmente tem que escolher entre sua pulsão de vida e a de morte, consegue revirar os estômagos mais empedernidos.

O avô, o Cinema e a Psicanálise

2011-03-06T00:56:00.002-03:00

Quando a Professora incluíu perguntas sobre avós no trabalho de entrevistas do curso de Psicanálise, ainda não havia me dado conta da importância dessas figuras para a formação psíquica do indíviduo. Talvez por não ter conhecido meus avós paternos e ter tido pouco contato com os maternos . Por coincidência, nas últimas semanas, vi 3 filmes, brasileiros, onde avôs representam figuras emblemáticas para meninos. No primeiro deles, "O menino Maluquinho", baseado na obra do Ziraldo, que assisti com minha neta, maluquinho é doido pelo Vovô Hortensio, um velhinho adorável que leva o neto e sua turma para a fazenda de avião e promove uma partida de futebol contra os sobrinhos caipiras. Em "Eu e Meu Guarda-Chuva", baseado no livro de Branco Melo, que vi com meu neto, o menino Eugenio morre de saudades do avô recém-falecido, de quem herda o famoso guarda-chuva, com poderes mágicos para enfrentar o fantasma do barão. Finalmente, em "Suprema Felicidade" de Arnaldo Jabor, o avô de Paulinho, representado pelo grande Marco Nanini, rouba a cena nas memórias do garoto. Por que será que o avô, para a maioria dos meninos, traz memórias muito mais positivas que o pai? Provavelmente, porque não é obrigado a castrá-lo no famoso triângulo edipiano. Tampouco representa a lei, o certo e o errado, a autoridade. Talvez tivessem sido castradores para os filhos. Como nos 3 casos ssão avôs maternos, são puro mel.

Sebbe

2011-03-05T20:51:00.003-03:00

Primeiro longa do iraniano Babak Najafi, o filme, premiado em Berlim no ano passado, tem uma belíssima fotografia, atores desconhecidos e um roteiro que se presta à investigação analítica. Trata, basicamente, da relação entre uma mãe solitária e bi-polar e seu filho adolescente. Alcoólatra e depressiva, Eva alterna períodos em que é extremamente carinhosa e brincalhona com o filho, com fases de extrema agressividade, onde diz ao garoto que nunca o desejou. Surpreendentemente, Sebbe a ama, apesar de tudo, numa relação simbiótica que não chega a ser edipiana pela ausência total do terceiro vértice do triângulo, o pai. Enquanto Eva apresenta sintomas de uma possível perversão, o menino procura obsessivamente por componentes elétricos e eletrônicos, nos depósitos de lixo da cidade. Estaria buscando o pênis do pai ausente? Com dificuldade de relacionamento na escola, é considerado gay pelos outros garotos e sofre bullying violento. A situação chega ao limite quando Eva rouba um casaco do vizinho para presenteá-lo, numa total despreocupação com regras sociais, um sintoma de perversão. Envergonhado, o rapaz tenta fugir de casa, mas o motorista do caminhão o convence de voltar. Não há diálogos reveladores. É pelos silêncios que sentimos a angústia de Sebbe e o desespero de Eva. Tanto sofrimento recalcado, explica, de certa forma, por que, apesar de um IDH tão elevado, a Suécia tem um dos maiores índices de suicídios do planeta.

Heróis imaginários

2011-02-27T23:38:00.004-03:00

Dirigido por Dan Harris, de quem eu nunca tinha ouvido falar, "Heróis Imaginários" não é uma obra-prima. Mas trata de temas que podem surgir a qualquer momento num divã psicanalítico. Numa família aparentemente normal, de repente, o filho mais velho, campeão de natação, se suicida. Nessa hora, o diretor se posiciona como um psicanalista e põe-se a investigar, sem julgar, o que há por trás daquela máscara de normalidade. E nós espectadores o acompanhamos na busca. A primeira coisa que descobrimos é que o falecido odiava nadar tanto quanto odiava aplausos. Óbvio que competia para corresponder ao desejo dos pais, mais especialmente do pai. E qual é patologia de alguém que não sabe quem ele é e passa a vida tentando ser o que o pai deseja? É um perverso. Já vimos isso na bailarina de Cisne Negro. A diferença é que enquanto aquela exercia sua perversão mutilando a si mesma, para se punir pelo abortamento da carreira artística da mãe, Matt Travis exerce sua perversidade machucando o irmão, de quem tem muita inveja, outra característica do perverso. Matt inveja Tim por este ser o preferido da mamãe Sandy. Claro que só vamos descobrir por que no final do filme. Os 3 remanescentes da família, (a irmã está na universidade) passam o filme lutando contra a dor da perda, agravada pela culpa da morte do campeão. O pai se defende pela negação, exigindo que a mulher continue colocando comida no prato do filho morto. Não consegue trabalhar, passa o dia num banco do jardim, dopado, tentando fugir da culpa. Cogita até numa plástica, pensando que uma cara nova apagará o pai que foi no passado. A mãe e o caçula escapam de olhar para si através da maconha e do ecstasy. Só quando a família se vê na iminência de perder outro membro, é que se decide a contar a Tim, a verdade sobre sua origem. Por mais dolorosa que seja, a verdade, assim como Freud, explica os afetos por trás das atitudes do pai, da mãe e até da vizinha. De posse da verdade, todos podem fazer suas escolhas. E deixar suas pulsões de vida derrotarem as de morte.

O Vencedor

2011-02-25T07:59:00.006-03:00

A grande vencedora nesse filme de David Russel, é a família do lutador de boxe. Por mais disfuncional que ela seja, com irmão viciado em crack vivendo do passado, mãe superprotetora negando a derrocada do filho e irmãs ciumentas massacrando a cunhada bonita, é só quando aceita essa família que Micky realiza seu desejo de brilhar nos ringues. Mas até se decidir a seguir as dicas do irmão maluco, o pugilista, sua mãe e suas irmãs deverão enfrentar a verdade sobre Dick Ward. Uma verdade que vem à tona num documentário de TV sobre crack, onde o irmão mais velho aparece, fingindo para si mesmo e para a familia que se tratava de um filme sobre sua carreira, cujo ápice teria sido uma falsa vitória sobre o pugilista Sugar Ray. Falsa porque até as cordas do ringue sabiam que o nocaute de Sugar fora consequência de uma escorregadela no ringue. Como a maioria dos adictos, Dick se apóia nas mentiras que ele e sua família co-dependente inventam para fugir da angústia. É a piada da música "I started a joke" que Dick canta para a mãe no carro. A piada que fez todo mundo chorar e que ele percebeu ser sobre ele mesmo. Mas quando o mundo todo se põe a rir da piada, Mick resolve aceitar a família e aproveitar a experiência do irmão doido para turbinar sua carreira. É o que acontece com os pacientes nos divãs de Psicanálise. Apanhamos pra caramba até aceitar os pais e irmãos que a vida nos ofereceu. Quando isso acontece, ela fica bem mais fácil de ser vivida.

Os inquilinos

2011-02-10T22:20:00.008-02:00

Quem conhece a cinematografia do paranaense Sergio Bianchi sabe que, de suas críticas políticas e sociais, ninguém escapa. Da burguesia aos ongueiros, o diretor não poupa ninguém, nem mesmo aquele que certos colunistas da Folha chamam de "andar debaixo". O próprio Bianchi, em entrevista recente, aponta a subserviência dos mais pobres como motivo de as coisas não mudarem nesse País. Ninguém reclama, aceitam tudo. Mas deixando de lado o viés político e social quero abordar o filme sob a ótica psicanalítica. Retratando o cotidiano do casal Valter e Iara, moradores da periferia paulistana, Bianchi deixa entrever para quem estiver atento a detalhes, desejos inconfessos do casal, sendo que os da esposa são bem mais perceptíveis. Enquanto Valter rala, de dia, para sustentar a família como de vendedor de frutas e, à noite nas aulas do supletivo, sua "patroa" Iara fica em casa cuidando das crianças. Das crianças, modo de dizer, porque quando elas saem para a escola, ela cuida mesmo é da vida dos saradões que mudaram para a casa do velho vizinho. Numa espécie de Big Brother ao vivo, onde a exemplo dos habitantes da famosa casa, a rapaziada dorme o dia inteiro e à noite organiza festinhas de embalo. Como seus correspondentes globais, eles desfilam seus torsos atléticos despertando desejos incofessáveis na jovem esposa, cuja vida sexual talvez deixasse a desejar diante da dupla jornada do maridão. É o medo do seu próprio desejo, que ela deixa escapar ao descrever o vizinho a uma amiga, que Iara projeta no Outro. Põe-se a reclamar dos palavrões que eles falam e levanta suspeitas sobre suas atividades ilícitas. Como argumento contra eles, invoca a defesa da inocência da própria filha, quem ela quer proteger de "tanta sujeira". No entanto, incentiva a sexualidade precoce da garota, vestindo-a como funkeira e aplaudindo suas danças sensuais. Quando Freud revelou ao mundo a sexualidade infantil foi acusado de tarado. No entanto, hoje, todos acham normal meninas na idade de latência rebolarem diante de qualquer um, atiçando a libido de homens adultos.

A árvore

2011-02-09T18:43:00.007-02:00

Dirigido por Julie Bertucelli, esse filme franco-canadense aborda um tema que Freud tratou em seu famoso ensaio Luto e Melancolia. Dawn, uma francesa residente na Austrália, vive um casamento feliz com o pai de seus 4 filhos. Quando este morre estupidamente, de uma hora para outra, nem ela, nem a filha Simone conseguem lidar com a perda. Segundo Freud, numa reação normal à perda do ente querido, "a libido deve ser retirada das conexões com esse indivíduo". Claro que o ser humano não gosta de "abandonar uma posição libidinal". Nesses casos, pode acontecer um "afastamento da realidade e um apego ao objeto mediante uma psicose de desejo alucinatória". É o que acontece com essa mãe e essa filha de "A Arvore". Elas deslocam para uma imensa figueira que ladeia a casa onde moram, todo o investimento afetivo que havia no falecido. Passam dia e noite subindo e descendo da árvore, que por si só já tem uma conotação com o ato sexual, crentes que estão se comunicando com o morto. É preciso que um tsunami aconteça e destrua quase completamente a casa para que elas se dêem conta de que a vida precisa continuar. Essa dificuldade em aceitar a morte de um ente querido é muito mais comum do que pensamos. Principalmente quando aceitá-la significa lidar com a própria culpa diante da perda. As personagens do filme deslocam a figura do morto para um vegetal. Quantos de nós não chegamos a manter o parente vivo dentro de nós para negar nossa culpa? Ainda bem que a Psicanálise existe para "serrar" nossas defesas, assim como aqueles podadores cortavam os galhos perigosos da monumental figueira. Aqueles buscavam proteger a familia de Dawn dos efeitos danosos da árvore. O analista ajuda o paciente a cortar fora galhos pesados de culpas e traumas que ele suportou ao longo de uma vida. Dawn e sua família agora podem tocar suas vidas em frente. O sujeito da análise também pode se reconstituir depois do "tsunami" interno.

O Complexo de Édipo e o Oscar

2011-02-07T22:45:00.011-02:00

Duas produções cotadas para o Oscar 2011 tratam de relações entre filhas e seus pais. Em ambos os casos, a ligação entre as meninas e seus genitores perdura após a morte deles. Nada diferente do que acontece com algumas pacientes mulheres nos divãs psicanalíticos. Em "Bravura Indômita", dos irmãos Cohen, Mattie Ross, de apenas 14 aninhos, a fase de latência segundo Freud, decide se vingar do bandido que assassinara seu progenitor. Para isso, contrata Rooster Gogburn, um matador profissional, reconhecido por sua bravura indômita que, no decorrer da trama, acaba substituindo o falecido, no papel de protetor da menina. Em "Inverno da alma", a história se repete. Só que desta vez, Ree, de 17 anos, ainda não sabe que seu pai está morto. Apenas que ele é traficante, fugido da polícia, e que precisa encontrá-lo para que a família, constituída por ela, 2 irmãos pequenos e a mãe doente, não perca a casa onde vivem, nos cafundós do Missouri, em meio a esquilos e laboratórios de metanfetamina. Em ambos os casos, as mães são ausentes e as meninas que, em algum momento da infância, desejaram, ainda que inconscientemente, tirá-las da jogada, pra ficar com o papai pra elas, agora têm que lidar com o "troféu" obtido. O que não é fácil. Principalmente porque realizar essa fantasia evoca culpas. E culpa, não trabalhada numa análise, reverte em sadomasoquismo. O que mais poderiam significar os castigos que essas meninas se auto inflingem o tempo todo, desafiando inclusive a natureza feminina, no caso de Mattie, que aprende a atirar como um homem, numa identificação plena com o falo paterno? Ree, por outro lado, ocupando o lugar da mãe nos cuidados com os irmãos, preserva seu lado feminino, realizando o seu Édipo, segundo Freud, ao se tornar a mãe dos filhos do papai. As escutas psicanalíticas estão cheias de histórias como essas. Os cenários podem ser menos exóticos que as pradarias do Velho Oeste ou as montanhas do Missouri. Mas o drama das meninas que, por morte da mãe, ou por esta ter largado a família, se vêem aos 14 ou 17 anos ocupando o sonhado posto de companheira do querido pai é tão áspero quanto o das protagonistas desses filmes.

O discurso do rei

2011-02-01T01:14:00.004-02:00

Tenho sempre um pé atrás com filmes de Oscar. Por isso mesmo acho que "O discurso do rei" é bom demais para a Academia. Assinado por Tom Hooper, o inglês que dirigiu Helen Mirren na fantástica série "Prime Suspect", o filme descreve o tratamento que o pai da Rainha Elizabeth, o Rei George VI, enfrentou para vencer uma gagueira de infância. Depois de se consultar com os mais renomados doutores do reino, como nos contos de fadas, o segundo filho de George V vai parar num especialista em problemas de fala, descoberto por sua esposa Elizabeth, a futura Rainha-mãe. Título mais que justificado para quem tão jovem já foi uma mãe para o próprio marido. Considerado menos inteligente que o irmão mais velho, o jovem Albert, nome de George VI antes de ser coroado, sofrera bullying na família, o que talvez tenha originado e certamente agravado a deficiência. Através de um método heterodoxo, que começou por tratar Sua Alteza com um simples plebeu, quebrando de cara aquela arrogância que nada mais era que um mecanismo de defesa, Mr. Logue, ou Lionel como preferia ser chamado, que nem diploma de médico tinha, realizou um trabalho com seu paciente real, que lembra a técnica psicanalítica. A uma investigação sobre a infância do paciente e sobre suas relações com os pais e irmãos, acrescentou uma série de exercícios de canto e dança que aos poucos desfizeram alguns bloqueios de origem emocional, levantando a auto-estima do paciente. Não se sabe se Logue tinha familiaridade com as idéias de Freud . Mas isso não seria impossível, visto que a época da coroação de George VI coincide com o momento em que a família Freud se fixa em Londres, fugindo da perseguição nazista. Mas tivesse Logue ou não conhecimento das técnicas freudianas, o filme revela que, na prática, aquele ex-ator, obtém, ao menos aparentemente, a cura do sintoma que tanto envergonhava o jovem rei. Pode ser que os traumas tenham se deslocado e provocado novos sintomas. Isso acontece quando não se traz à tona as causas dos recalques. Mas, de uma maneira ou de outra, o tratamento beneficiou os milhares de súditos daquele império onde o sol nunca se punha: foram poupados dos aflitivos discursos de um rei gago.

Todo dia

2011-01-25T00:24:00.016-02:00

"Todo dia" é o primeiro longa de Richard Levine, que tem em seu curriculum, a direção e os roteiros do seriado Nip/Tuck, que fiquei até com vontade de assistir. Com apenas uma atriz conhecida no elenco, a sempre ótima Helen Hunt, o filme retrata, com muita honestidade, o dia a dia de um casal novaiorquino, que também poderia ser o nosso vizinho de porta, de tão próximos que os problemas são dos nossos. Casados há 19 anos, Jeannie e Ned enfrentam dramas como todos nós, casados, solteiros ou divorciados. O maior deles é o filho gay de 15 anos que ela aceita, e ele faz de conta que aceita mas faz questão de buscar nas baladas. Tem também o pai de Jeannie, um velho doente e ranzinza, de quem ela cuida por obrigação. E como se não bastasse o ambiente doméstico conturbado, Ned, ainda lida com problemas no trabalho. Roteirista de uma série para TV, tem um chefe exigente e também gay que lhe cobra mais ousadia nos scripts. Nessa hora, aparece para lhe dar uma mãozinha uma colega de equipe jovem, recém separada do namorado e cheia de amor para dar. Fiel à esposa, Ned reluta mas acaba cedendo ao desejo e cai nos braços e na piscina da coleguinha. O castigo, que evidentemente ele procura, para amenizar a culpa, vem a cavalo. Mais exatamente, sob forma de um ataque do ex da garota, uma cavalgadura que o deixa de olho roxo. A explicação à família sobre o hematoma é tão convincente quanto a desculpa do filho para não voltar da festa na hora combinada. Antes que essas mentiras minem de vez a relação, Ned decide chutar o pau da barraca: conta na reunião de pauta o episódio da piscina da colega, o que a deixa tiririca. A virada de mesa de alguém que até então se submetia ao patrão, e fingia gostar do sogro e aceitar a saída do armário do filho, é uma verdadeira catarse. A explosão da panela de pressão que salva o casamento e recupera o emprego. Entre mortos e feridos salvam-se todos, inclusive o velho que, de bom grado, parte desta para a melhor. A única chamuscada é a coleguinha sedutora. Bem feito! Quem manda se meter com homem casado!

O homem de Areia e A loira do banheiro

2011-01-23T02:06:00.004-02:00

Em seu ensaio "O Estranho" de 1919, Freud analisa a história do Homem de Areia, do escritor de contos fantásticos E.T. A. Hoffman, baseada no mito do homem de areia que as mães alemãs usavam para mandar suas crianças para a cama. O pequeno Nathanael associava o tal homem a um amigo de seu pai, um Sr. Copélio, com quem este se trancava no escritório depois que as crianças dormiam. Lá dentro, faziam experiências alquímicas. Numa das sessões, ocorre uma explosão no escritório e o pai de Nathanael morre. Este passa a culpar o Sr. Copélio pela morte do genitor. O trauma infantil reaparece na idade adulta quando Nathanael encontra um sujeito parecido com o Sr. Copélio. Analisando a obra, Freud afirma que, "se todo afeto pertencente a um impulso emocional, qualquer que seja a sua espécie, transforma-se, se reprimido, em ansiedade, entre os exemplos de coisas assustadoras, deve haver uma categoria em que o elemento que amedronta pode mostrar-se ser algo reprimido que retorna. Trazendo este conceito para os dias de hoje, lembrei da história da loira do banheiro, muito difundida entre as alunas das escolas pública de São Paulo, nos anos 80. A loira do banheiro teria sido uma garota muito bonita, aproximadamente 15 anos, que sempre planejava maneiras de matar aula. Uma delas era ficar no banheiro da escola, esperando o tempo passar. Um dia, um acidente terrível acontece. Ela escorrega no piso molhado do banheiro, bate a cabeça no chão, entra em coma e morre. Diz a lenda que a menina não teria se conformado com seu fim trágico e prematuro e que sua alma, recusando-se a descansar em paz, teria passado a assombrar os banheiros das escolas. Muitas alunas juram ter visto a loira do banheiro, pálida e com algodão no nariz para evitar que o sangue escorresse. Apesar de ter sido criado há duas décadas, hoje ainda se fala na loira do banheiro e existem até vídeos no youtube a seu respeito.Voltando o texto de Freud, essa categoria de coisas assustadoras construiria então o "Estranho" que Schelling define como algo que deveria ter permanecido oculto mas veio à luz. Para Freud, muitas pessoas experimentam essa sensação, em seu mais alto grau, em relação à morte e aos cadáveres. O primitivo medo da morte seria tão intenso dentro de nós que estaria sempre pronto a vir à tona a qualquer provocação. Esse medo implica na velha crença de que o morto torna-se inimigo do seu sobrevivente e procura levá-lo para sua nova existência. Conclui Freud que a repressão é a condição necessária para que um sentimento primitivo retorne sob forma de algo estranho. Segundo ele, sentimos que as intenções dos mortos de nos prejudicar serão levadas a cabo com o auxílio de poderes especiais que eles teriam. Na verdade, a fantasia assustadora é só a transformação de outra fantasia que originalmente nada tinha de aterrorizadora, mas caracterizava-se por certa lascívia. Para ele, o estranho seria algo familiar que foi reprimido.Transportando para o mito da loura, poderíamos associar a figura da loura jovem e bonita à das mães das meninas para as quais ela aparece. Possivelmente, estas teriam desejado matar essas mães para realizar suas fantasias edipianas, tomando os lugares delas junto aos pais. O desejo reprimido teria voltado sob forma da estranha aparição, que se torna tanto mais estranha quando se transforma numa alucinação coletiva.

O garoto de Liverpool

2011-01-17T00:59:00.002-02:00

"Nowhere boy", inspirado na música "Nowere man" de Lennon e Mc Cartney, conta a adolescência de John Lennon, em Liverpool. Ao contrário do personagem da música, que não sabia para onde estava indo, John, logo cedo descobriu que queria ter uma banda de rock. Contaminado pela elvismania, como 9 entre 10 garotos da sua geração, foi incentivado por Julie, sua mãe biológica a investir na carreira artística. Assim como Leonardo da Vinci, Lennon teve duas mães, igualmente amorosas. Seria esse um pré-requisito para a genialidade? Também como Léo, John viveu com a mãe biológica durante a primeira infância. Quando esta foi abandonada pelo marido depois de ter tido um affair amoroso, o garoto foi "raptado" por sua irmã Mimi, que o educou na rédea curta. Na adolescência, a reaproximação com a mãe, calorosa e empolgada com o despertar do talento musical do rapaz, foi o empurrão que faltava para ele cair de cabeça nos braços do rock. Disputado numa espécie de cabo de guerra entre a mãe doidona e adorável e a tia careta que lhe impunha limites, John se estruturou para levar adiante a profecia contida no trecho da letra de "Nowere man" que diz: "Nowere man, the world is at your comand". Daquela banda formada com Paul Mc Cartney logo após a morte acidental de Julie sairia um quarteto que depois de ser condecorado pela Rainha Elizabeth, se declararia mais importante que Jesus Cristo. E de fato, naqueles efervescentes anos 60, eles foram. Assim como as idéias pacifistas abraçadas por John nos anos 70 também tinham muito a ver com as do cabeludo da Galiléia. Até a morte trágica, assassinada por um fanático de John lembra, de certa forma o destino do "Rei dos Judeus". Uma coisa dá pra concluir da história do garoto de Liverpool. Amor de mãe, quando em excesso, mal não pode causar.

Passione no divã

2011-01-16T10:53:00.004-02:00

Sílvio de Abreu contou, no programa da Gabi, que fez análise durante 15 anos. Talvez por isso, suas novelas sejam as únicas que consigo acompanhar. Nada maniqueísta, o autor não julga seus personagens e nem permite ao espectador fazê-lo. Tudo tem uma explicação lá na infância do sujeito. Fred não era ruim por acaso. Numa família onde a mãe é boa, educou direito, a irmã também é bacana e a sobrinha uma fofa, o sujeito não fica mau-caráter do nada. Na infância, ele testemunhou o suicídio do pai e cresceu com essa imagem e a fantasia de vingar seu herói injustiçado pela família Gouveia. Na verdade o pai era um crápula, que tramou a própria mutilação, por grana. Mas na fantasia do pequeno Fred, seu herói foi injustiçado. Esse trauma, numa pessoa normal provocaria desejos de vingança, que seriam, digamos, "calados" pelo superego, aquele sensor interno que todos temos e que rege o ego. Provocaria sintomas que poderiam ser curados através de um tratamento psicanalítico. Da mesma forma, o trauma do abuso da Clara na infância poderia ter seguido o mesmo caminho. O desejo de vingança poderia ter sido recalcado por um superego eficiente. Acontece que, em ambos os casos, os vilões de Passione não tinham ego. Eram psicopatas. Daí o egoísmo, o narcisismo, o desprezo pelos outros, a necessidade de status, poder e dinheiro. Essas pessoas não podem ser tratadas pela Psicanálise, que atua no âmbito do ego, desconstruindo-o e reconstruindo-o novamente. Segundo meus professores no IBCP, Freud criou a Psicanálise para tratar das neuroses. Melanie Klein foi um pouco mais além e estudou as psicoses, hoje bem mais comuns nos consultórios do que as primeiras. Quanto às psicopatias, não existe tratamento para elas. O individuo, que se torna perigoso para a sociedade, precisa ser isolado, de preferência numa cadeia. Infelizmente, não é só nas novelas que existem psicopatas. Eles estão por aí, nos jornais, na internet, aprontando poucas e boas. E se a gente bobear pode ter um bem pertinho da gente. Fiquemos espertos!

Tá rindo de que?

2011-01-16T10:00:00.002-02:00

Descobri o que desencadeou esse sorriso tido como o mais enigmático de toda a Civilização Ocidental! Não que eu seja um gênio, como insistem as más línguas. Gênio foi Leonardo da Vinci que pintou a Mona Lisa sob encomenda de um comerciante de Milão que desejava um retrato da patroa e nunca entregou porque nunca achou que ele estivesse pronto. Mais gênio ainda foi Sigmund Freud, que no século passado fez um estudo psicanalítico sobre o mestre renascentista, no qual explica o sorriso da Mona Lisa, como sendo o sorriso da mãe biológica do Leonardo que o criou sozinha até os 4 anos, quando o pai, rico e poderoso, o levou para ser educado por sua esposa legítima e estéril, quem, justiça seja feita, lhe deu muito amor. Num trecho da interpretação, Freud diz que enquanto "nas mulheres, por volta dos 50 anos as características sexuais sofrem uma espécie de involução, nos homens a libido, com freqüência, apresenta um enérgico surto". Nessa hora, segundo ele, Leonardo sofreu uma regressão: "encontrou a mulher que lhe despertou o sorriso feliz e sensual de sua mãe". Eu diria que essa regressão ocorre em metade da população masculina, até hoje. Daí tantos casamentos desfeitos e tantos coroas se unindo a meninas que poderiam ser suas filhas. Nunca tinha pensado nisso, mas o que Freud diz faz sentido. Estamos acostumados a associar a mãe à mulher mais velha, no caso, a primeira esposa. Mas as garotinhas representam, na verdade, as mães deles na fase do Complexo de Édipo, quando mal tinham saído das fraldas. Então, quem involui são eles, que voltam a ser bebês, fissurados no seio da mamãe, a fonte da sua felicidade. Daí provavelmente a fixação em seios fartos e durinhos que tanto alimenta a indústria da cirurgia plástica. Por tanto é deles, desses bebes retardados e babões que a Mona Lisa está rindo! Homens maduros conseguem ser felizes com mulheres da sua idade. E se por qualquer motivo a relação termina, se acertam com outra da mesma faixa etária. Quanto às cinqüentonas loucas por um garotão, diria que são as tais mulheres que Freud chama de fálicas. Fixadas na fase fálica da sexualidade, desejam provar, o tempo todo, que são o macho poderoso da casa. Quer mulher mais poderosa que Ana Maria Braga?

12 homens e uma sentença, 1 e 2

2011-01-16T01:34:00.005-02:00

A primeira versão foi produzida em 1957 e a segunda em 1997. A original traz Henry Fonda no papel principal e marcou a estréia de Sidney Lumet na direção. A refilmagem, com Jack Lemon como o jurado "do contra", é considerada o melhor remake da história do cinema e foi dirigida por Wiliam Friedkin. Baseados numa peça teatral, os filmes se passam numa sala de júri, onde 11 jurados consideram culpado um garoto latino acusado de ter assassinado o próprio pai. Apenas um deles questiona o veredicto. Como a lei americana exige unanimidade, os 12 sujeitos devem chegar a um consenso, não sem antes quase se matarem naquela sala quente do Tribunal. Alguém disse que os filmes são verdadeiras aulas de advocacia. Talvez sejam. Mas do ponto de vista psicanalítico, o roteiro não poderia ser mais rico. Primeiro, porque a Psicanálise, como técnica, tem tudo a ver com a investigação policial. Em ambos os casos, a atenção aos pequenos detalhes é crucial. O que parece insignificante ao observador comum é precioso para os olhos e os ouvidos do analista. E detalhes polêmicos não faltam no julgamento do menino: da marca dos óculos no nariz da testemunha à posição da faca na hora do crime, dúvidas vão sendo plantadas nos jurados ao longo do filme, até minar por completo suas certezas da culpabilidade do réu. Esse "desmanche" das certezas é outro ponto em comum com o trabalho psicanalítico. Assim como o paciente no divã se despe de suas certezas e preconceitos, aqueles homens zangados vão, um a um, deixando cair suas máscaras e suas defesas. Quanto ao espectador, quanto mais duvida de que o garoto seja o assassino, mais se convence de o quanto aqueles homens estão projetando no réu, seus afetos em relação aos próprios filhos, e seu desprezo pela própria origem racial.

Cyrus, um Édipo dos nossos dias

2011-01-15T15:56:00.013-02:00

Como futura psicanalista não sei qual dos três preferiria receber no meu divã: se Cyrus, o garotão gordo e infantil do filme dos irmãos Duplass (que nome mais predestinado!, diria o Macaco Simão), sua mamãe Molly ou seu padastro John. O filme, considerado comédia, retrata um drama comum nos dias de hoje: aquele ciúme, nem sempre doentio, que acomete 9 entre 10 filhos homens, sobretudo os únicos, quando a mãe viúva ou divorciada resolve refazer sua vida, introduzindo um novo par de calças em casa. Se o "filhinho da mamãe" ainda tiver um pai, mesmo ausente, mas que pegue nos fins-de-semana, leve ao estádio e freqüente apresentações na escola, a dor ainda é administrável. Esse não era o caso do rebento da personagem de Marisa Tomei. Não fica claro se Cyrus é uma produção independente ou se o pai biológico sumiu no mundo. Mas percebe-se que, até os 22 anos, ele foi o único macho na vida da mama. Quando John se posiciona no terceiro vértice do triângulo, a casa cai. Para disfarçar seu ódio, o gordinho tenta ser cordial com o intruso, mas passa a sabotá-lo insistentemente. Se John fosse um sujeito bem resolvido, não digo que tiraria de letra o obeso enteado, mas analisaria os prós e os contras do ménage a trois e decidiria se queria isso pra sua vida ou não. Acontece que ele é quase tão imaturo quanto o rapaz. Unido por uma espécie de cordão umbilical à ex-mulher Jamie, corre para o colo dela a cada aprontada de Cyrus. Jamie, que está prestes a se casar com Tim, este sim um adulto que lida com a família da mulher sem se envolver, atua como um misto de amiga e terapeuta, incentivando John a caminhar com suas próprias pernas. E Molly? Por que se recusa a enxergar que está criando um monstro? Provavelmente por culpa. Gordo, feinho e manipulador, Cyrus não corresponde ao ideal de bebê de mãe nenhuma. Eterno adolescente, torna-se um empecilho à vida social e amorosa de Molly. Que mãe se permite odiar um filho? Mas o inconsciente não pede permissão. Um afeto interdito pelo superego encontra outra forma para se manifestar, no caso uma complacência exagerada que não é saudável nem para a mãe, nem para o filho, menos ainda para o padrasto.

Cópia Fiel

2011-01-09T09:34:00.006-02:00

Assim como gosto mais de Paris Texas do que dos filmes alemães de Wenders, prefiro o último filme de Abas Kiarostami à sua cinematografia iraniana. Filmar na Toscana, longe do seu habitat, deslocou o diretor do seu cenário/marca registrada, criando uma cumplicidade dele com o espectador, no meu caso tão forasteiro quanto ele na Itália. Essa cumplicidade é reforçada pela brincadeira do roteiro, onde um casal que acaba de se conhecer finge, para a dona do restaurante, que já está junto há 15 anos. Sabendo da verdade, é como se o espectador fosse convidado a participar do jogo. Tenho lido sobre a importância do faz-de-conta na formação das crianças, que hoje em dia são massacradas por brinquedos que fazem tudo sozinhos, atrofiando sua imaginação. Felizmente, tenho netos bem imaginativos e não me têm faltado oportunidades pra "viajar" nas historinhas deles. Seria bom que nós adultos nos permitíssemos, vez ou outra, ser crianças de novo e soltar nossas fantasias. Cópia fiel começa com uma conferência sobre o tema da autenticidade das obras de arte. E termina mostrando que uma relação fake pode ser tão rica em neuroses e culpas quanto uma verdadeira. Na verdade, ao longo da vida, quantas vezes fazemos de conta que somos felizes, que gostamos da sogra, que adoramos viajar com os amigos do trabalho do marido, que tivemos prazer no sexo? Quanto tempo nos enganamos achando que estamos enganando todo mundo com as máscaras que Winnicott chama de falso self? Quem sabe se assumirmos o faz-de-conta como fazem as crianças, não estaremos sendo mais verdadeiros, pelo menos com nossos próprios desejos?

Um lugar qualquer, um ato falho

2011-01-08T10:31:00.004-02:00

O cineasta Quentin Tarantino, presidente do júri do Festival de Veneza de 2010, que premiou o último filme de Sofia Coppola com o Leão de Ouro, fez uma lista dos melhores filmes do ano passado. Curiosamente, o filme da premiada amiga e ex-namorada não constou na relação. Depois de assistir ao filme ontem à noite, aposto que a omissão tem uma explicação freudiana. Segundo a Psicanálise, através do ato falho, o desejo do inconsciente é realizado. Provavelmente, o inconsciente de Tarantino não concordasse que "Um lugar Qualquer" merecesse a láurea. O meu também não. "Cisne Negro", que concorreu no mesmo festival, é mil vezes melhor que a reminiscência autobiográfica da filha de Coppola. A própria Sofia já se saiu melhor em "Virgens suicidas", "Maria Antonieta" e "Encontros e Desencontros". Não que "Um lugar qualquer" seja ruim. O filme conta a história de um pop star solitário, assediado o tempo todo pela mídia, pelos fãs e pela mulherada, que se entedia com aquelas dançarinas de pole no quarto do hotel, com sua Ferrari preta, com sua vida de consumo fácil e excessivo. O filme coloca um pouco o dedo na ferida dessa cultura das celebridades que devora os ídolos que ela própria produz. A filha do personagem, interpretada pela fofa Elle Fanning, seria o alter ego da cineasta, que contou em entrevistas, ter morado em hotéis durante a infância, acompanhando a trajetória cinematográfica de papai Francis. Pesquisando a vida de Coppola na web, concluí que as semelhanças entre realidade e a ficção terminam por aqui. Ao que tudo indica, "mama" Eleanor jamais abandonou Sofia, Roman ou o falecido Gian-Carlo em hotéis com o pai, para cair na vida. Dois anos mais velha que o cineasta, Mme Coppola, aos 72 anos continua firme e forte ao lado do maridão que teve a sensatez de não trocá-la por garotinhas que poderiam ser suas filhas ou netas. Se existe alguma semelhança entre a Cleo do filme, companheira do pai solitário, e a única filha mulher de Francis, herdeira do seu talento cinematográfico, ela só pode estar nas fantasias edipianas da garota. Mandando a mãe para longe (no filme), e obtendo o papai só para si, já que aquelas piranhas não contavam, Sofia realizou na arte, aquele desejo que permeia o inconsciente de 9 entre 10 meninas. Ana Freud, a única filha mulher do fundador da Psicanálise e herdeira do seu divã, não teria feito melhor.

Cisne Negro, neurose e psicose

2011-01-06T23:19:00.010-02:00

O filme de Darren Aronofsky que concorre ao Globo de Ouro e provavelmente será indicado ao Oscar, está bombando na web. Primeiro, por causa das cenas de amor lésbico entre Natalie Portman e Mila Kunis. Segundo, por ter gerado o filho de Miss Portman com o coreógrafo Benjamin Millepied, seu parceiro nas belíssimas cenas de ballet do filme. Mas se "Cisne Negro" é uma iguaria fina para os amantes da Dança, para os estudiosos da Psicanálise é um verdadeiro banquete. Nina Sayers, filha única de uma mãe que "sacrificou sua carreira de pintora" para cuidar da garota, aparentemente não conheceu o pai, que ninguém conta se morreu, fugiu ou foi apenas um espermatozóide comprado. Provavelmente, esta ausência do 3º vértice do triângulo e o fato de não ter vivenciado seu Complexo de Édipo na idade certa, tenham levado Nina a projetar a figura paterna no Diretor, a quem tenta agradar com um perfeccionismo obsessivo, ao mesmo tempo em que disputa seu amor com a antecessora na posição de 1ª bailarina da Companhia. Essa obsessão, por sinal, é o único sintoma neurótico da personagem de Natalie. Os outros todos são pura psicose. Ao que tudo indica, a simbiose com a mãe, natural nos primeiros meses do bebê, não tendo sido desfeita, originou os sintomas psicóticos. As visões que levam o público a classificar o filme como "de terror", são alucinações desencadeadas pela paranóia da bailarina. Como a maioria dos paranóicos, Nina enxerga inveja nas outras bailarinas porque no fundo ela inveja sua antecessora. Invejar aqueles que sabem o que querem, conhecem seus desejos também é uma característica da perversão, aquele tipo de psicose comum nos que vivem para realizar os desejos dos pais ou das mães, no caso da moça. A partir das psicoses, Nina cria fantasias persecutórias horriipilantes que se voltam contra ela própria. Como se não bastasse, também carrega culpa pelo fato de a mãe responsabilizá-la por sua insatisfação e se mutila, o tempo todo, para se punir. Para o cardápio ficar completo, Nina tem ainda um bloqueio sexual que a impede de dançar com emoção. A ponto de o diretor lhe recomendar masturbação como lição de casa. Para concluir, a simbologia do mito do cisne Negro, onde a princesa má e a boa são representadas pela mesma solista, reforça o conceito freudiano de que todos nós temos nosso lado obscuro, também conhecido como Id.

Tetro

2010-12-24T13:51:00.009-02:00

Com imagens belíssimas da Patagônia (agora entendo porque os turistas agüentam aquele frio todo; não podia ser só pra ver pingüins), o último filme de Francis Ford Coppola revela que o mestre está a muitas léguas da decadência. O roteiro, o segundo de autoria do cineasta, baseia-se numa relação familiar, praia em que Coppola transita muito bem. E a Psicanálise também. Daí a associação que Freud faz de todo chefe, seja ele político ou religioso, com a figura paterna. E essa figura, em "Tetro", é tão poderosa quanto a de Don Corleone. Maestro famoso em Nova Iorque, Carlo Tetrocini, interpretado por Kaus Maria Brandeur, desqualifica os pendores literários do filho Angelo, afirmando que naquela família só havia espaço para um artista. Amargurado, o rapaz rompe com o pai e se refugia na Argentina, terra natal do velho. Não sem antes perder sua namorada para o genitor. Freud estudou profundamente a sedução que os pais exercem sobre as filhas mulheres, estimulando nelas o desejo incestuoso. No filme, como a futura nora é muito mais atraente que a filha, o músico não pensa duas vezes antes de tomá-la do garoto. O que não prevê, e que vem como uma espécie de vingança dos deuses, é que a moça já está grávida, e o garoto Benjamin, que ele criará como filho, é na verdade seu neto. Mas até esse embroglio familiar ser destrinchado, muitos afetos serão discutidos ora em preto e branco, ora em cores, com uma fotografia maravilhosa, uma trilha idem e um elenco de primeiríssima. Entre esses afetos, o espectador se depara até com uma inversão do Complexo de Édipo, onde Tetro mata, involuntariamente, a mãe, gerando aquela carga de culpa, tão presente no inconsciente do homem civilizado, ainda que sob forma de fantasia.

Quando fala o coração

2010-12-13T22:54:00.005-02:00

Que Hitchcock sempre teve um namoro com a Psicanálise não é segredo para ninguém. Mas que o mestre do suspense tivesse dirigido um filme onde a Teoria do Inconsciente tivesse o papel principal foi uma surpresa para mim. Desde os créditos iniciais, "Spellbound", filmado em 1945, se apresenta como um filme sobre a Psicanálise, a ciência que estuda os problemas emocionais. Confundida na época com a Psiquiatria, a Teoria de Freud ainda era novidade para o grande público. Daí o didatismo do roteiro, onde uma voz off explica, na abertura, que o analista induz o paciente a falar dos seus problemas íntimos e ao virem à tona lembranças dolorosas "guardadas" no inconsciente, os problemas do paciente desaparecem. A explicação pode até ser reducionista como apontaram alguns críticos, mas a idéia de acompanhar a análise do falso Dr. Edwardes de Gregory Peck, pela linda Dra Constance de Ingrid Begaman, é genial! Até porque ao desvendar as causas da amnésia de John Ballantine, o verdadeiro nome do paciente, a doutora, de quebra, elucida o assassinato do verdadeiro Dr. Edwardes. Afinal estamos num filme de Hitchcock! Analisado em teses psicanalíticas por sua abordagem séria das fobias e pelo corajoso enfoque na questão da contra transferência, o filme teria sido encomendado ao cineasta pelo produtor David Selznick, recém-saído de uma bem sucedida experiência nos divãs. Em que pesem as críticas ao envolvimento terapeuta/paciente, hoje abominado pelas Sociedades Psicanalíticas, "Spellbound" deve ter contribuído e muito para ajudar a difundir as idéias de Sigmund Freud naquela primeira metade do século passado. Visto em 2010, o ano do centenário da Psicanálise, o filme ainda guarda muito vigor. E aponta a enorme semelhança entre a investigação psicanalítica e o trabalho sherlockiano atrás de pistas criminosas. Não por acaso é nesse mesmo inconsciente que homens e mulheres de bem escondem aqueles desejos secretos que as leis da sociedade tanto condenam.

Reino Animal e o Morro do Alemão

2010-12-05T09:44:00.015-02:00

Impossível assistir a "Reino Animal" de David Michôd sem se lembrar do que está acontecendo nas comunidades do Rio de Janeiro. Sem mostrar nenhum preto e nenhum pobre, o filme de estréia do diretor australiano reforça a idéia de que não é a miséria que provoca a violência. De quebra, cutuca uma ferida que ninguém ainda abordou: quais os valores morais de alguém que nasce, cresce e morre numa família de bandidos? Entenda-se como bandidos, todos, inclusive os de colarinho branco e bigode preto. Ou alguém acha possível tornar-se honesto nascendo no clã Sarney? J., o protagonista, é filho de uma dependente de heroína que morre na cena inicial. No telefonema do garoto à avó, descobrimos que sua mãe estava afastada da família. A primeira idéia que ocorre ao espectador é a de que se tratava de uma ovelha desgarrada e de que essa avó teria renegado a filha por não se enquadrar nos seus rígidos padrões de bons costumes. Ledo engano! Provavelmente, a mãe de J. é que havia saltado fora dessa família de bandidos, comandados pela loura vovozinha. Não, não é uma comédia à la irmãos Coen. A família é barra pesada mesmo! Quando J. se muda para a casa da véia, descobre que seus tios são 3 fora-da-lei. Mas nem tudo está perdido porque o promotor de justiça do distrito está preocupado com o seu destino naquela família. Sintomaticamente solteiros, os titios mantêm, uns mais outros menos, o cordão umbilical preso à chefa da quadrilha. Criado longe daquele ambiente, J. é mais "normal", dentro do possível, e arruma uma namorada. A introdução dessa figura feminina naquele "clube do Bolinha" torna-se uma ameaça à segurança dos criminosos. A ponto de um dos tios, que havia assassinado dois policiais numa "batida", aconselhar J. a afastar a garota. Antes que ele o faça, os próprio tios dão cabo da moça. O que acontece daí pra frente é um embroglio, com os mesmos ingredientes que nos assombram nas histórias dos morros cariocas. O principal é a cumplicidade de algumas autoridades com o crime. O mais triste, a falta de valores, principalmente de amor, numa família onde a avó sacrifica um neto para salvar o filho. Dona Valentina, de "Passione", é outro exemplo desse espécime. Em "O ponto de vista do outro", o psicanalista Jurandir Freire Costa fala da "decadência ética nas esferas pública e privada". A"moralidade", segundo o autor, "perdeu a solenidade de suas origens, afogada em injustiças econômicas, leviandade cultural, negligência cívica, e carência de horizontes de reparação". Não se trata aqui, de defender os traficantes do Rio de Janeiro. Mas bater palmas para as tropas do exército, e achar que agora "nossos problemas acabaram", é, no mínimo, uma ingenuidade absurda!

Eu sou o amor

2010-11-29T07:01:00.007-02:00

Com um requinte que lembra a cinematografia de Visconti, Luca Guadagnino nos transporta à sala de jantar de uma rica família milanesa, proprietária de indústria. É aniversário do patriarca, e este, consciente de uma doença que breve o tiraria de cena, passa o comando da empresa ao filho e a um dos netos, que acabara de participar de uma corrida de automóveis. Não sei se Silvio de Abreu assistiu a esse filme, mas a estrutura familiar lembra muito a da família Gouveia de "Passione". Até nos hobbies esportivos dos herdeiros. Assim como acontece nas nossas novelas, o filme perde alguns fios da meada dos personagens: esse corredor, por exemplo, nunca mais toca no assunto automobilismo. Paralelamente à sua nova missão nos negócios da família, se engaja no ramo da gastronomia, associando-se ao piloto que o derrotara na última corrida. E que também demonstra nítida preferência por pilotar fogões. Se esses buracos no roteiro comprometem a dramaturgia do filme, não impedem uma leitura psicanalítica da trama. Emma Recchi, a mãe, é uma espécie de Stella Gouveia. Na noite do aniversário do sogro, quando Edoardo apresenta a namorada e o novo amigo à família, ela cai de amores pelo amigo do filho. Lembrando a aula de determinismo psíquico que tive nesse fim-de-semana, só posso deduzir que essa paixão não brotou no coração daquela senhora, na noite em que perdeu o filho para outra mulher, por acaso. Com aquele marido que não chegava a ser um Saulo mas não dava a mínima para ela, a personagem de Tilda Swinton transfere ao amigo Antonio o afeto incestuoso que dedicava a Edoardo. Gianluca, o outro filho, é mais um que não diz ao que veio. Sabemos que ele tem ciúmes do irmão, mas esse sentimento é muito pouco explorado. Também enigmática é a personagem da única irmã, homossexual aceita pela mãe e que passa batido pelo resto da família, inclusive pela avó, aparentemente uma matriarca muito mais conservadora que a Dona Beth. A relação entre Ema e o cozinheiro é o foco principal de "Eu sou o amor". Quando esta chega aos finalmentes, desperta um ciúme incontrolável em Edoardo. Não dá pra saber de quem ele sente mais ciúmes. Se da mãe edipiana ou do amigo/sócio, de quem também parece gostar um pouco além da conta. A reação tempestuosa do rapaz ao adultério materno acaba eliminando-o tragicamente do filme. E colocando no melodrama familiar aquela cereja de bolo chamada culpa, que tanto persegue aqueles que, por não controlarem seus desejos, acabam magoando quem mais amam.

"O amor em 5 tempos" e "O Refugio"

2010-11-28T18:55:00.008-02:00

Dirigidos por François Ozon, "O Refúgio" e "O amor em 5 tempos" falam de relacionamentos. Não por acaso o diretor é considerado o Woody Allen europeu. Em "O Refúgio", ele conta a história de Mousse, jovem dependente de heroína, que depois de perder o namorado numa overdose, descobre que espera um filho dele. A família do rapaz a incentiva a abortar. Mas a pulsão de vida daquela criança devia ser forte. A ponto de convencer a titubeante e perdida mamãe a levar adiante a gravidez. Nessa hora, a moça busca refúgio na casa de praia da família do falecido. Sem saber que, inconscientemente, tanto ela como o namorado desejaram aquele filho, curte o crescimento da barriga durante os 9 meses, acompanhada do cunhado gay. Se terá condições para criar a criança, já é outra história. Dependência química, segundo a Psicanálise, está associada a fixação na fase oral, a primeira da sexualidade infantil. Como alguém que ainda é bebê emocionalmente pode cuidar de outro bebê? Ao perceber que não está preparada para criar a filha, Mousse a abandona nos braços do tio gay. Os efeitos psicológicos desse abandono no aparelho psíquico da menina são previsíveis. Agora é torcer para que num futuro não muito remoto, ela se depare com um bom psicanalista. "O amor em 5 tempos" transcorre de trás para diante, mostrando 5 fases de uma relação: do encantamento inicial ao divórcio. No meio do filme, também nasce uma criança. Curiosamente, dessa vez, quem tem depressão pós-parto é o pai. Ao contrário das mulheres, que apresentam tal distúrbio em decorrência de problemas hormonais, nos homens ele reflete uma ansiedade. Pesquisas britânicas apontam que 1 em cada 5 homens têm essa reação diante da paternidade. Não suportam a idéia de ceder o foco das atenções das esposas ao novo membro da família. No fundo, ainda sonham com o velho e bom colinho da própria mama.

Dois irmãos

2010-11-28T17:53:00.000-02:00

O cinema argentino retrata como ninguém os relacionamentos familiares. Se isso tem a ver com a força da Psicanálise naquele País, não sei. Mas o interesse daquele povo pelas teorias freudianas pode muito bem estar contribuindo para enriquecer os filmes daquele País com conteúdos psicanalíticos. “Dois Irmãos”, o mais recente de Daniel Burmann, não deixa por menos. Depois de explorar relações entre pais e filhos e entre casais, em sua filmografia anterior, dessa vez, o cineasta esmiúça o tumultuado relacionamento entre os irmãos Suzana e Marcos, solteirões na faixa dos 60, que acabam de perder a mãe e têm diante de si a tarefa de decidir o que fazer com a herança. Suzana é quem detém o poder na família. Corretora de imóveis, faz e acontece, dominando o irmão completamente. Percebemos, no decorrer do filme, que o sensível Marcos era mais ligado à mãe, de quem cuidou até morrer, numa aparente fixação edipiana. Suzana, por sua vez, deixa escapar nos diálogos a ligação especial com o pai, que pode ter evoluído para uma identificação, levando-a a assumir o poder fálico da família. Baseado num romance de Sergio Dubcovsky, o filme não toma partido nem da histriônica Suzana, nem do silencioso Marcos. Mas aos poucos percebemos o quanto havia de castrador no poder de Suzana, e o quanto o Marcos consegue crescer quando se afasta dela. Refugiado na propriedade que ela adquire para os dois no Uruguai, o solteirão abraça sua profissão de joalheiro e, de quebra, ainda descobre sua veia artística, integrando-se a uma trupe teatral. A peça que está sendo ensaiada é nada mais nada menos que Édipo Rei, clara referência ao complexo que se tornaria um dos alicerces da Psicanálise. Alguns críticos viram na amizade de Marcos com o diretor da peça um viés homossexual. Pode ser. Mas diria que a figura do diretor representa para Marcos, mais um Pai merecedor da sua admiração com quem ele pode se identificar, matando o pai castrador, a quem ele se submetera a vida inteira. Um pai que, por acaso veste saias, e atende pelo nome de Suzana. Por nunca ter tido o afeto da mãe, a moça morre de inveja do irmão e se incomoda muito com o sucesso dele. Coisa de irmãos. Num mundo onde todos carregamos os mesmos arquétipos desde Adão e Eva, não duvido de que haja um Caim e um Abel escondidos no fundo dos nossos inconscientes.

Quando partimos

2010-11-28T17:46:00.000-02:00

Depois de ganhar o troféu "Bandeira Paulista" de melhor filme na Mostra de São Paulo, "Die Fremde", da austríaca Feo Aladag, está sendo indicado ao Oscar de filme estrangeiro do próximo ano. Com roteiro da própria diretora, que também é atriz, "Quando partimos" conta a história trágica, como tantas, da muçulmana Umay, casada com um turco de Istambul. Depois de realizar um aborto contra a vontade, a moça abandona o marido opressor, que batia nela e no filho, e volta à casa da família em Berlin, com o pequeno Cem a tiracolo. Para sua decepção, os pais e irmãos, também muçulmanos, não aceitam a separação e passam a vê-la como uma ameaça à boa reputação do clã. Chegam a concordar com a idéia de que Cem devia ser entregue ao pai violento. Também se apavoram diante do perigo que uma irmã separada representa para o casamento da filha caçula. Desconsolada com a falta de apoio da mãe e com a prepotência do pai e dos irmãos, Umay abandona a casa paterna atrás de um emprego e de um lugar para morar. A submissão da mulher na sociedade muçulmana não é novidade no cinema. Também vemos, a toda hora na mídia, casos de assassinatos e outras insanidades cometidas em nome de Alá. O que torna "Quando partimos" diferente dessas histórias reais ou fictícias é o foco nos sentimentos da protagonista. Alguns críticos se incomodaram com o fato de a moça não tomar nenhuma atitude drástica para romper com essa família tão pouco acolhedora. Aí é que entram os afetos de que trata a Psicanálise. Umay amava aquela família. Não conseguia aceitar por que o pai dava mais importância ao "que os outros iriam pensar" do que às suas necessidades. Tampouco entendia como a mãe, de quem esperava amor incondicional, se afastara dela na hora em que ela mais precisara. Mais do que um filme sobre a repressão muçulmana, "Quando partimos" é um mergulho no drama da rejeição. Quando a amiga e patroa diz a Umay que, dali pra frente, sua família seria só ela e o filho, não deve ter sido fácil para a moça receber aquela verdade. Assim como não é para nenhuma mulher que passa a ser rotulada de "puta", por ter desafiado as regras paternas, em famílias católicas, evangélicas ou judias. É nessa hora que a Psicanálise pode ajudar pais e filhos a digerirem essas verdades. Mas se olhar no espelho exige tanta ou mais coragem do que desafiar regras e quebrar tabus.

A primeira coisa linda

2010-11-28T17:40:00.003-02:00

"Sala sem mobília, goteira na vasilha, problema na família, quem não tem?", já dizia a primorosa letra da "Ciranda da bailarina" de Chico Buarque e Edu Lobo. Bem, problemas de família é o que não faltou nos filmes da 4ª Mostra Internacional de Cinema de São Paulo. "A primeira coisa linda" é mais um exemplo dessa tendência. Dirigido pelo italiano Paolo Virzi, o filme, que traz Setefania Sandreli no papel da Mama Ana envelhecida, é mais um embroglio familiar que permite uma leitura psicanalítica. Apaixonado pela mãe como todo menino, o pequeno Bruno sofre quando percebe que o papai não era o seu único rival. Além de linda, a mãe de Bruno e da garotinha Valéria, também era alegre, ingênua e carente. Uma presa fácil para homens aproveitadores. Por outro lado, essas características a jogavam na boca do povo. E como as mulheres feias, gordas e invejosas adoram colocar no pelourinho as moças mais atraentes que elas! A começar pela irmã de Ana, Leda, apaixonada pelo cunhado, que se une a ele para cuidar das crianças, insinuando maldosamente que Ana não era boa nisso. Evidentemente esse conflito provoca um nó nas cabecinhas dos dois irmãos que amavam tanto aquela mãe e eram tão amados por ela, de maneira anárquica, atabalhoada, mas transbordante de carinho. Vamos encontrar um Bruno adulto com dificuldades de relacionamento e problemas com drogas. Ao ser informado pela irmã de que Ana estava à beira da morte, a procura no hospital e revive, na sala de espera, os flashes mais marcantes da infância. Se ainda havia alguma mágoa, as circunstâncias o levam a perdoar, ou mesmo a jogá-la no fundo do inconsciente. Até porque não há tempo para um trabalho psicanalítico. Ana está prestes a morrer, com a mesma alegria e despreocupação que marcaram toda sua trajetória na terra. E Bruno decide fazer-lhe todas as vontades. Incrível como as família, diante da morte iminente, tendem a mimar seus entes queridos. Principalmente se foram mimados por eles quando crianças. Entre as vontades de Ana havia a de se casar com um namorado tardio e a de rever o filho que tivera fora do casamento e havia sido criado pelo pai. Cristiano aparece na festa do casamento, que a certa altura se transforma no velório da bela mamma italiana.

De "Manhattan" a "Você vai conhecer o homem dos seus sonhos"

2010-11-28T00:02:00.008-02:00

Rever Manhattan um dia depois de ter assistido ao último filme de Woody Allen, me fez refletir sobre o que teria mudado no olhar do cineasta nesses 30 anos. Em 1979, Allen tinha 44 anos e estava casado com Dianne Keaton, uma das atrizes com quem se relaciona no filme, após ter sido ser largado pela esposa bi-sexual. De lá para cá, o cineasta trocou Dianne por Mia Farrow e, depois de um tempo, esta por sua filha adotiva com o maestro André Prévin, num affair que abalou o show business por seu caráter aparentemente incestuoso. Tanto em Manhattan quanto em seu filme mais recente, os protagonistas, sempre alter egos do diretor, se relacionam com mulheres bem mais jovens. O que mudou? Em Manhattan, a relação entre Isacc e Tracy, a adolescente interpretada por Mariel Hemingway é completamente edipiano. A garota se apaixona por ele, e Isacc, como um verdadeiro pai, afasta-a, recomendando-lhe que se envolva com garotos de sua idade. Mas adiante, questiona-se por ter "sacrificado" seu desejo pela menina ao ceder às imposições do seu super ego. Fica claro na paixão do homem maduro pela jovem, seu encantamento diante da inocência da garota. A ponto de lhe pedir, na penúltima cena, que não deixe que a estadia em Londres modifique seu caráter. Em outras palavras, que a vida no mundo artístico londrino roube-lhe aquela inocência que tanto o fascina. Entre um filme e outro, Allen cedeu ao desejo de se casar com uma mulher que poderia ser sua filha. Até adotou filhos com ela. Agora, em "Você vai conhecer o homem dos seus sonhos", filmado em Londres, o destino da jovem Tracy de Manhattan, ele filma o relacionamento entre o personagem de Anthony Hopkins e sua jovem esposa com um olhar completamente desencantado. Chairman, a segunda mulher de Alfie só está interessada em detonar a grana do velhote em peles e outros luxos. Nesse meio tempo, Allen, que coloca tanto as teorias de Freud em seus filmes, deve ter avançado em sua própria análise. Talvez até já tenha tido alta. Os anos de divã teriam ajudado o cineasta a olhar para si mesmo com mais realismo? Estaria ele hoje mais pronto para aceitar a verdade de que mulher nova só está de olho na conta bancária do homem mais velho? Perder a ilusão de que uma jovem pode se apaixonar por seu intelecto pode ser creditado ao trabalho psicanalítco, sim. Mas também não descartaria a contribuição de sua última experiência matrimonial para esse choque de realidade.

Abutres

2010-11-27T00:38:00.004-02:00

O filme de Pablo Trapero, que abriu o Festival o Festival de Direitos Humanos, no começo deste mês, põe o dedo numa ferida que poucos conhecem. Passado na Argentina, terra do diretor, o filme desvenda um esquema existente em Buenos Aires de advogados especialistas em acidentes. É uma máfia que cerca os acidentados, como verdadeiros carcarás, instigando-os a processar os responsáveis por suas tragédias pessoais. O esquema é tão pesado que chegam a forjar acidentes para arrancar indenizações polpudas de motoristas incautos e principalmente de suas seguradoras. Esses esquemas também existem no Brasil. Volta e meia me deparo, no Forum, com processos desse tipo. Os autores, geralmente pessoas humildes, reivindicam indenizações por desastres, alguns fatais, ocorridos com familiares que eram arrimo de família. Como é que essas famílias, com tão pouco acesso a informação, têm tanta consciência de seus direitos, a ponto de levar adiante ações, que certamente não trarão de volta seus entes queridos? No filme, quem fica com a parte do leão das indenizações são os advogados. Não duvido que aqui aconteça o mesmo. Para dar um exemplo, acompanho um caso de um sujeito que trabalhava numa empresa de instalação de luminosos em postos de gasolina. Há 15 anos, o infeliz despencou do andaime, em serviço, e morreu, deixando mulher e três crianças pequenas. O empregador não quis pagar a indenização, alegando que o prestador de serviços estava bêbado. A viúva ganhou a ação e o empregador apelou. Nesse meio tempo, o patrão se desfez de imóveis que possuía com medo de perdê-los. Este ano, o juiz declarou as vendas como fraudulentas e mandou anulá-las. Ainda não acabou o processo. Provavelmente os compradores dos imóveis entrarão com embargos. Nesse meio tempo, as crianças devem ter virado adultos e me pergunto se a viúva estará fazendo tanta questão do dinheiro. Mas, o advogado, aposto que está. Assim como os abutres do filme de Trapero, ele não desiste da carniça! Até outro dia eu torcia para eles ganharem essa ação. Conheço o empregador pessoalmente e sei que não é flor que se cheire. Depois do filme, a dúvida: e esse advogado? Não será pior que ele? Quanto da indenização irá, de fato, parar nas mãos da viúva. Assistindo a "Abutres", dá pra calcular.

A Justiça e a Psicanálise

2010-11-26T00:05:00.005-02:00

Quando soube que o médico Roger Abdelmassih havia sido condenado a 278 anos de prisão, tive um pensamento bem politicamente incorreto: será que era pra tanto? Não que eu queira defender o velhinho. Mas vieram na minha cabeça alguns conceitos psicanalíticos que me levaram a questionar se as "vítimas" são tão vítimas assim. Segundo a teoria de Freud, o embrião só é formado se houver desejo do casal. Quem garante que os maridos dessas senhoras com problemas de fertilidade desejavam tanto quanto ela colocar crianças no mundo? Outro ponto pacífico para o fundador da Psicanálise é o Complexo de Édipo, um desejo dos meninos pelas mães e das meninas pelo pai. Detalhe: nas meninas esse complexo está ligado à famosa inveja do pênis e só é "resolvido" quando a menina tem um filho, que na sua fantasia é do Pai. É aí que entra a figura do Dr. Roger. Quer figura mais paternal que um velhinho de 75 anos, capaz de realizar o Complexo de Édipo na sua plenitude? Por que essas senhoras se calaram sobre o assédio do doutor durante tanto tempo e só botaram a boca no trombone quando a enfermeira o denunciou por um beijo roubado? Por vergonha, com certeza. E tem coisa que provoque mais vergonha do que culpa no cartório? Calma, feministas! Não estou taxando todas as honradas mães de família de prostitutas nem afirmando que elas quiseram "dar" pro doutor. Mas sabe-se que entre o céu e a terra existem desejos inconscientes que só a Psicanálise é capaz de trazer à tona. Pena que não houvesse um discipulo de Freud acompanhando o depoimentos dessas pacientes. A possibilidade desse "consentimento" talvez amenizasse a pena do Doutor Roger.

Destinos Cruzados

2010-11-23T09:41:00.005-02:00

Premiado no Festival de Berlim de 2009, "London River" trata do desaparecimento de um casal de jovens durante os atentados de julho de 2005, em Londres. Dirigido por Rachid Bouchareb, francês de origem argelina, o filme narra a peregrinação de Elizabeth, inglesa residente numa propriedade rural em Canal Islands, e de Ousmane, africano radicado em Paris, na Londres pós-atentado, em busca dos filhos. Essa via-sacra, além de dolorosa, é cheia de surpresas para ambos. Elizabeth não sabia e nem entende porque sua filha havia decidido estudar árabe. Também se espanta com o fato de a capital da Inglaterra estar tomada por imigrantes mulçumanos. Até o dono do apartamento onde a filha residia era árabe! Mais do que sobre a dor ou a possível culpa pelo desaparecimento dos filhos, o filme é sobre um tema que, nesse mundo cada vez mais globalizado, está em pauta: o preconceito. Quando Elizabeth percebe que Ali, o filho de Ousmane, era o namorado da sua filha, a inglesa de bochechas vermelhas, acaba deixando seu preconceito de lado e aceitando a parceria e a solidariedade do africano. Será que a personagem tem o nome da rainha para enfatizar a empáfia britânica face essa cultura que ousou, com seus petrodólares, desafiar o poder do antigo Império Britânico? Dizem que Diana foi assassinada por estar grávida do namorado muçulmano, filho do dono da Harrod's. Quer exemplo maior da força da cultura árabe do que o herdeiro do trono inglês ter um irmão muçulmano?

Agredidos na Paulista

2010-11-21T10:04:00.002-02:00

Vendo a gravação feita pela câmera do prédio da Paulista, o que mais me chamou a atenção na cena em que um maluco agride um rapaz com uma lâmpada fluorescente, não foi a agressão em si, que a exemplo daquela acontecida há tempos atrás na Livraria Cultura revela o desejo exacerbado do agressor em provar seu poder fálico. Se existe conteúdo homossexual aí, penso estar mais na figura do agressor do que na do agredido. O que me espanta e me leva a acreditar que o mundo está perdido mesmo, é a falta de reação dos amigos da vítima. Eles ficaram impassíveis diante da cena. Que amigos são esses, que não ajudam o companheiro numa situação dessas! Que valores de solidariedade esses jovens receberam de seus pais? Que existe essa impassividade por parte de desconhecidos diante de assaltos a mão armada pelas ruas de São Paulo, todo mundo sabe. Mas que amigos, companheiros de balada, não expressem a menor reação diante de uma situação dessas é inadmissível. Ajudar um amigo agredido é coisa que se aprende em pequeno, de preferência com o pai. O que estavam fazendo os pais desses meninos quando eles contaram que viram um amigo apanhar na escola e não fizeram nada? Trabalhando? Ganhando bastante dinheiro pra lhes comprar o videogame da hora ou levá-los pra Disney? Essa inércia, pra mim é fruto de uma educação consumista, onde os pais só se preocupam em cumular seus filhos de bens, desde a mais tenra idade, ao invés dês mostrar-lhes que o importante é ser uma pessoa de bem.

Os três porquinhos da Dilma e o lobo mau

2010-11-19T14:47:00.003-02:00

Em seu discurso no diretório do PT nesse dia da Bandeira, a presidente Dilma agradeceu, emocionada, aos que chamou de "três porquinhos" – os coordenadores de campanha Antonio Palocci, José Eduardo Dutra e José Eduardo Cardozo. "Acredito que os três porquinhos foram muito bem sucedidos na coordenação da minha campanha. Eu encontrei neles companheiros de todas as horas", declarou. Esta fala, somada ao apoio demonstrando à Presidente eleita por parte do partido, mostram que, ao contrário do que diziam as más línguas, a sucessora de Lula contará com o apoio dos petistas na tarefa de "aprofundar" o modelo de desenvolvimento econômico e social implementado no governo do seu antecessor, modelo esse que ela encara como uma herança bendita", em referência indireta à "herança maldita" que Lula costuma dizer ter recebido do governo anterior ao dele, do PSDB. Mas é bom lembrar que onde há 3 porquinhos, há um lobo mau à espreita, preparando-se para o próximo bote. Quando, em seu discurso da derrota, Serra declarou aos que o imaginavam derrotados que apenas começara a lutar de verdade, e que sua mensagem de despedida não era um adeus, e sim um até logo, estava dizendo que o lobo não desistiu. Vai continuar dando tratos à bola para desestabilizar, agora, o Palácio do Planalto, soprando forte para tirar a Dilma da cadeira que tanto ambiciona. O que esse lobo não sabe é que a moça, de porca não tem nada, e apesar de ser vovó e usar roupa vermelha, não cai em conversa de lobo, muito menos na dos arautos dele na Internet. Por isso, seu Serra, se pretende saciar sua fome de suínos, é melhor que restrinja suas investidas às vizinhanças do Parque Antártica.

Minhas mães e meu pai

2010-11-19T09:52:00.002-02:00

Lisa Cholodenko é o nome da diretora dessa comédia sobre uma família constituída por um casal de lésbicas com um filho cada uma. O pai é o mesmo: um desconhecido que havia doado o esperma e permanece incógnito, até que o garoto Laser, aos 15 anos decide procurá-lo, envolvendo na empreitada a irmã Joni. É aí que começam os problemas. Sob o ponto de vista psicanalítico, Nic é o poder fálico do casal: cabelos curtinhos e tipo masculinizado, é médica e quem traz dinheiro para casa. Jules, mais feminina, cabelos longos, como muitas esposas héteros, ainda está buscando se encontrar profissionalmente. Assim como aquelas, também joga na cara da marida o fato de ter se dedicado à vida toda às crianças enquanto a outra se realizava. Segundo Freud, mulheres que gostam de mulheres têm uma sexualidade infantil, fixada na fase fálica. Isso não as impede de serem felizes. Seus filhos, aparentemente também não têm problemas com isso, aceitando os limites que a mãe masculina Nic impõe, enquanto a mãe feminina exerce, para ambos, o papel da acolhedora. Quando a figura paterna é introduzida na trama, dá um certo nó na cabeça dos jovens. A menina, imediatamente transforma-o em seu objeto inconsciente de desejo, a ponto de brigar com a amiga que dá em cima dele e se revoltar quando Jules se envolve com ele. Ao mesmo tempo, põe-se a questionar as regras impostas pelas mães em relação a “andar de moto”, aceitando a carona daquela figura que, na teoria freudiana, exerce o papel de estabelecer o que é certo e errado. Quanto ao garoto, mais ligado em esportes do que em estudos, a identificação com o pai não é imediata. Mas, aos poucos, Paul também passa a lhe transmitir valores, abrindo-lhe os olhos, por exemplo, para a amizade com um moleque problemático. Quando Paul e Jules se envolvem, durante o projeto de paisagismo que ela desenvolve para o restaurante dele, confesso que torci para dar certo. Surpreendentemente, os filhos não. Para não magoar a mãe Nic, insistiram na manutenção do casamento lésbico, por mais constrangedor que fosse para elas. Será que na vida real os jovens estão tão modernos assim? Duvido. Por mais que amassem as mamães, obviamente prefeririam que seus amigos, futuros cônjuges, sogros, ou patrões soubessem que eles pertenciam a uma família normal. Ainda mais com uma mãe charmosa como a Julianne Moore e um pai gatíssimo como Mark Ruffalo!

Submarino

2010-11-18T10:10:00.003-02:00

A Mostra Internacional de Cinema nos trouxe, esse ano, "Submarino", o último filme de Thomas Vinterberg, o dinamarquês que fundou o "Dogma 95" junto com Lars Von Triers. Pais abusivos ou ausentes costumam ser um bom tema para a Psicanálise. O filme de Vinterberg não deixa por menos. Baseado no romance de Jonas T. Bengstsson, retrata a dor e a fragilidade de dois irmãos. O filme abre com cenas de um lindo bebê sendo batizado por dois irmãos pré-adolescentes. Na seqüência, descobrimos que a mãe das três crianças é uma alcóolatra inveterada, permanentemente atrás de sua garrafa de Martini. Não pra menos, os meninos, já nessa tenra idade também estão viciados em bebida e cigarros, numa provável fixação na fase oral. Numa noites, com a mãe ausente, como sempre, os dois põem o irmãozinho para dormir e promovem uma festa particular, regada a bebida e música alta. A música alta é a maneira que eles encontram de abafar o incômodo choro do bebê. O Day after da festa apresenta uma tragédia que vai marcar a vida daqueles meninos para sempre. Ao perceber que o bebê está morto, os dois assumem a culpa, sem entender que a pulsão de vida naquela criança já devia estar comprometida pela falta do olhar materno. Com isso, se tornam adultos completamente desajustados. Seguindo o exemplo da mãe, Nick torna-se um alcoólatra com dificuldades nas relações amorosas. Ivan, por sua vez, se mete com drogas pesadas e acaba assumindo o filho Martin, mesmo nome do bebê falecido, quando a esposa morre de overdose. Claro que a dependência química o impede de exercer o papel de pai, no caso de pai e mãe, colocando-o sob a mira da Assistência Social. Quando os irmãos se reencontram no funeral da mãe, Nick tenta ajudar o sobrinho, abrindo mão de sua parte na herança. Mas o dinheiro só vai servir para afundar mais o pobre Ivan. Iludido com a vida fácil de traficante/usuário, ele queima tudo o que havia recebido e acaba preso. É quando se dá o segundo encontro entre os irmãos. Nick ,que havia ido para trás das grades para acobertar um amigo, é informado do suicídio de Ivan. Mais uma vez, se vê diante do sobrinho num funeral. O que acontece daí para frente não sabemos. Mas fica no ar a esperança de que, assumindo o pequeno Martin, Nick conseguirá expiar sua culpa da adolescência. Tomara!

A era do rádio

2010-11-18T01:41:00.002-02:00

Os filmes de Woody Allen são um prato cheio para estudantes de psicanálise. Freqüentador assíduo de divãs, o diretor, quando não retrata os seguidores de Freud em seus filmes, assume o papel deles, como em "A era do Rádio", empreendendo uma viagem pelo inconsciente dos personagens, no caso ele mesmo criança. Um professor do IBCP disse, certa vez, que o psicanalista trata da criança que existe no paciente. Em a "Era do Rádio", Allen desconstrói o inconsciente do Joe adulto (o narrador) através dos olhos do garoto. O filme é um delicioso mergulho no universo de uma típica família judáica do Brooklin, durante a II Guerra. Mais exatamente a sua própria família de Allen . Filho de um taxista, Allan Stewart Königsberg, leva para o filme a falta de admiração pela profissão paterna, num mundo onde os ricos, chiques e glamurosos do show business é que eram valorizadas. Esses conceitos deviam refletir o desejo do menino Allan, de ser artista quando crescesse. E não se pode dizer que não tenha sido plenamente realizado. Mas voltando ao pai de Joe, há um momento chave no filme, quando ele aplica umas palmadas no bumbum do moleque, por ter usado a dentadura da vovó como disco de hockey. Em meio à surra de cinta, clara demonstração do papel paterno de estabelecer limites para o filho, o rádio, único canal de comunicação daquela família com o mundo, noticia que uma menina, aproximadamente da idade de Joe, havia desaparecido de casa e, dias depois, sido encontrada num poço. O resgate dessa criança é acompanhado por toda Nova York, com a mesma consternação com que há 2 anos o Brasil se envolveu no caso Isabela Nardoni. Quando os ouvintes, entre os quais a família de Joe, recebem a notícia de que a menina havia morrido, o pai de Joe agarra-o no colo com tanta tristeza que fica clara a sua culpa por todas as surras e maus-tratos que inflingira no menino ao longo da vida. A cena é tocante. Nos lembra de como nossos pais se culparam, quando não fomos nós que os culpamos, de atos praticados com a melhor intenção de nos educar. Tá certo que de boas intenções o inferno está cheio. Mas pra que transformar a vida na terra num inferno, perpetuando essas culpas ad eternum?

Filho de Atalah, atalahzinho é.

2010-11-08T23:42:00.002-02:00

Jorge Wolney Atalla, engenheiro especializado em petróleo, trabalhou com o general Ernesto Geisel na refinaria de Cubatão nos anos 50, e foi um dos financiadores da Operação Bandeirantes, organismo repressivo que torturou e assassinou estudantes, líderes sindicais e vários oposicionistas ou suspeitos de fazerem oposição ao regime militar em sua fase mais dura, nos anos 60 e 70. Instalada nos fundos da 3º Delegacia de SP, no bairro da Vila Mariana, a Oban, como era chamada, precisava de financiamento, que foi dado voluntariamente por empresas como Supergel, Ultra, Associagás e a Coopersucar - Cooperativa Central dos Produtores de Açúcar, liderada por Jorge Wolney Atalla, empresário morto em 2009, e que em sua homenagem escreveram: “foi responsável pelo início do Proálcool no Brasil, e um dos responsáveis pelo salto que o Brasil deu em etanol. Considerado um ícone do setor sucroalcooleiro.” Jorge Wolney Attala, o Júnior, cresceu nas usinas da família em Jaú e um dia resolveu brincar de cineasta. Seu primeiro documentário, contra a lei ambiental que proíbe o corte manual da cana, insinua que bóia-fria prefere cortar cana, ganhando R$ 200,00 por mês, acordando às 2 da manhã, a fazer outra coisa da vida. Uma clara manipulação do diretorzinho em benefício dos negócios da família. Em “A vida em cana”, cujo duplo sentido Freud explica, o filho do usineiro vê poesia no atraso e glmouriza a pobreza através de imagens bucólicas. Júris de festivais estrangeiros caíram na armadilha, acreditando que o corte da cana é a saída para quem, a maioria migrantes nordestinos, não tem aptidão para mais nada. Essa máxima do conformismo – "poderia ser pior" – dita o tom do filme. Ele chega a embrenhar-se pelo espírito de celebração evidenciado pela música "alegrinha". "Pelo menos distrai a cabeça e não tem gente mandando", diz uma adolescente. "Coisa melhor não vou conseguir", diz outro entrevistado. Falta apenas alguém dizer, à moda dos programas evangélicos exibidos na TV, que "a cana salvou minha vida". Mas os limites dos canaviais ficaram pequenos para a sanha demagógica do filho do usineiro. Seu segundo documentário, “Sequestro”, comprova que, assim como papai, o playboy adora ver gente em cana. Exercendo o mesmo prazer mórbido em tripudiar sobre aqueles que já estão acertando suas contas com a sociedade. Tão apelativo quanto “Vida e Cana”, o último filme do playboy também tem emplacado prêmios em festivais, explorando a angústia de parentes de seqüestrados, enaltecendo a polícia e demonizando os seqüestradores. Partindo da premissa que a onda de seqüestros no Brasil foi importada de Cuba, a última obra do filho do usineiro pretende representar o Brasil em Cannes. As chances são tão remotas quanto as de Emerson Fittipaldi voltar ao podium da fórmula I com seu Coopersucar. Um dos pontos altos do filme, dizem, é uma moça sendo estuprada por um seqüestrador de capuz. Qualquer semelhança com o que papi patrocinava nos porões da Oban não é mera coincidência. Mas tamanha calhordice tem uma chance, ainda que mínima, de escapar da impunidade. Na 3ª Vara Cível de Pinheiros corre uma ação impetrada pelo seqüestrador Leonardo Moraes Precioso, hoje cumprindo pena por seus delitos, onde figuram como réus o Wolneyzinho e mais 13 envolvidos na produção e distribuição do filme, inclusive a Globo e o Google. Uma oportunidade preciosa para a Justiça se posicionar ao lado do mais fraco.

mudanças

2010-05-12T11:20:00.001-03:00

Esse blog mudou de cara e de foco. A partir de agora, os comentários sobre os filmes terão um foco psicanalítico. Se estiver interessado visite o blog Labirintos da tela.

Regras da Vida

2010-05-03T06:44:00.017-03:00

Baseado no best-seller de John Irving, o filme que Lasse Hallstrom dirigiu em 99, com Tobey Macguire no papel de um órfão criado numa instituição do Maine, discute a ambigüidade dos códigos morais. Filho de uma alcólatra, Homer Wells é entregue aos cuidados do Dr. Larch e de sua equipe pra ser adotado. Dois casais chegam a levar o bebê pra casa, mas por um motivo ou por outro, devolvem-no ao médico que se apega à criança, criando-o como filho. Ensina ao garoto tudo sobre Obstetrícia, para o bem ou para o mal. Pro Dr. Larch, trazer crianças ao mundo ou mandá-las pro céu, não faz diferença, desde que ele resolva o problema daquelas mães, na maioria das vezes pobres ou jovens demais para criá-las. Ao tornar-se adulto, Homer põe-se a questionar a prática paterna. Mesmo nunca tendo saída daquela instituição onde se pratica o aborto, uma voz dentro do garoto diz que aquilo não é correto. A essa voz a Psicanálise dá o nome de Superego, a instância psíquica que ajuda o Ego a controlar as pulsões do Id, nosso grande reservatório de energia psíquica. Uma espécie de censor ou juiz do Ego, o Superego internaliza as interdições dos pais, sem falar naquelas que o bebê já traz ao nascer, passadas de geração em geração por nossos ancestrais. E um dos valores mais indiscutíveis entre a espécie humana é o da preservação da vida. É por isso que, mesmo tendo crescido numa instituição como aquela, Homer rejeita a prática paterna, a ponto de abandonar a instituição onde crescera, na primeira oportunidade. Rejeitando a figura do Dr. Larch, decide correr atrás do próprio destino. É quando começa a entrar em conflito com outras regras da vida. Empregando-se como colhedor numa fazenda de maçãs, envolve-se num triângulo amoroso, enfrentando a censura dos companheiros de alojamento. Mas isso é só o começo. Entre estes colegas, todos negros e nômades, uma jovem que aparece grávida. Ao constatar que o pai do bebê e o pai da menina são a mesma pessoa, Homer se revolta. Afinal, o tabu do incesto é outra interdição do seu superego. A coisa complica quando Homer se vê frente ao dilema de utilizar seus conhecimentos de obstetrícia, pra tirar a menina Rose daquela enrascada. O valor da solidariedade fala mais alto. Nessa hora, Homer entender a escolha do pai de criação. Assim, não só perdoa o médico como aceita ocupar seu lugar na clínica, vago com sua morte. Também poderíamos dizer que "Regras da Vida" aborda o Complexo de Édipo, na medida em que este se completa com a identificação do garoto com o pai. Minha dúvida é se podemos falar em Édipo numa relação onde não há a figura da mãe como objeto de desejo.